Lucio Fontana, artistul care a tăiat pânza ca să lase golul să intre în tablou

Lucio Fontana

Photo: DarioBurul1 / CC0, via Wikimedia Commons

Născut	19 februarie 1899 Rosario
Decedat	7 septembrie 1968 (69)
Ocupație	Sculptor și pictor
Premii	Premiul Mare pentru Pictură, Bienala de la Veneția · Medalia de Argint pentru Valoare Militară

O tăietură într-o pânză se face cam într-o secundă. Aceasta este capcana întinsă de Lucio Fontana tuturor celor care se opresc în fața uneia dintre lucrările sale Attese: gestul pare atât de simplu, încât privirea refuză să-l accepte drept operă, și atât de definitiv, încât nimeni n-a reușit să-l repete fără să pară că îl citează. Nu a pictat niciodată un tablou despre spațiu. A deschis suprafața, a căptușit rana cu tifon negru și a lăsat întunericul din spatele ei să pătrundă în imagine, transformând cel mai vechi suport al picturii occidentale într-un obiect cu interior.

Tăietura a venit la capătul unui lung ocol, pe care pânzele albe și austere tind să-l ascundă. Tatăl său, Luigi Fontana, era un sculptor italian care lucra la Rosario, în provincia argentiniană Santa Fe, iar acolo s-a născut Lucio, în ultima iarnă a secolului al XIX-lea. A fost crescut de tatăl său și de mama vitregă, Anita Campiglio, iar la șase ani a fost trimis în Italia să urmeze școala. Când a izbucnit Primul Război Mondial, s-a înrolat voluntar, a ajuns sublocotenent de infanterie și a fost rănit pe frontul din Karst, întorcându-se acasă cu o medalie de argint pentru vitejie militară.

După război s-a întors la Rosario, unde se născuse la 19 februarie 1899, a lucrat în atelierul tatălui său, apoi și-a deschis propriul atelier, îndepărtându-se deja de realismul patern în favoarea formelor angulare ale lui Alexander Archipenko. În 1927 era din nou la Milano, înscris la Academia Brera, unde studia sub îndrumarea sculptorului Adolfo Wildt și îl avea coleg pe Fausto Melotti. Wildt îl considera moștenitorul marmurei sale șlefuite, manieriste. Răspunsul lui Fontana, așa cum l-a povestit în 1963, a fost să părăsească academia, să modeleze grosolan un bulgăre de ipsos în forma unui bărbat așezat și să arunce smoală peste el. Voia, spunea el, să-și croiască un drum cu totul al său. Prima sa expoziție personală a urmat la Galleria del Milione din Milano, în 1930.

În anii 1930 a lucrat în două direcții deodată. La Albisola, pe coasta Liguriei, a creat ceramică în culori stridente și forme aproape lichide, iar în 1935 s-a alăturat grupului parizian Abstraction-Création. Cealaltă direcție este cea pe care retrospectivele o trec de obicei cu vederea.

Fontana este atestat ca membru al Fasci di Combattimento încă din 1920, iar o mare parte din sculpturile sale publice din anii 1930 au fost realizate pentru regim. A expus Vittoria fascista la Bienala de la Veneția din 1930 și, în același an, a modelat un bust al lui Mussolini. În 1936, grupul său sculptural Victory a fost amplasat în sala de onoare a Trienalei de la Milano, redenumită Sala Triumfului pentru a celebra invadarea Etiopiei, iar noul sediu al Federației Fasciste din Milano a primit un relief de plafon cu cinci Victori înaripate și înarmate, încărcate cu prăzi de război; după 1945, clădirea a devenit o secție de Carabinieri. Nimic din toate acestea nu anulează ce a urmat, dar complică imaginea unui artist născut pur în era spațială. Omul care avea să scrie manifeste despre dizolvarea materiei în lumină petrecuse ani întregi dând trup unui mit politic, iar abandonarea ulterioară a figurii poate fi citită, măcar în parte, ca o ieșire din cultura acelor comenzi.

Al Doilea Război Mondial l-a trimis înapoi în Argentina pentru șapte ani, în timp ce bombardamentele Aliaților îi distrugeau atelierul din Milano și tot ce se afla în el. La Buenos Aires a fondat în 1946 academia Altamira împreună cu un grup de studenți și a contribuit la redactarea Manifiesto Blanco, pe care nu l-a semnat, dar la a cărui elaborare a avut limpede un rol important: materia, culoarea și sunetul în mișcare, proclama manifestul, aveau să alcătuiască noua artă. Întors la Milano în 1947, a lansat Spatialism împreună cu Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian și Milena Milani și a continuat să publice manifeste până în 1952.

Ideile s-au transformat repede în obiecte. În 1949, la Galleria del Naviglio, a expus Ambiente spaziale a luce nera, o încăpere întunecată în care o formă mare, asemănătoare unei amibe, plutea sub lumină ultravioletă, lucrare citată adesea drept una dintre primele instalații în sensul modern al termenului. În același an a început să perforeze pânzele cu o sulă, în seria cunoscută sub numele de Buchi, și a dat aproape tuturor picturilor ulterioare titlul generic Concetto spaziale. În 1951, împreună cu arhitectul Luciano Baldessari, a suspendat o linie de neon sinuoasă deasupra vizitatorilor Trienalei a IX-a; lucrarea se află acum la Museo del Novecento din Milano.

Tăieturile au apărut spre sfârșitul lui 1958 și au fost expuse în anul următor. Cu timpul, au devenit mai puține și mai curate, pe fonduri monocrome, cu o frază scrisă de mână pe verso, ironică sau absurdă, despre care se spune că servea drept protecție împotriva falsificării. În jurul lor au apărut sferele de teracotă despicate din seria Nature, pânzele venețiene strălucitoare din 1961, pânzele în formă de ou din La fine di Dio și, în ultima perioadă, jocurile de umbre înrămate din Teatrini.

Publicul nu l-a urmat cu ușurință. Când pânzele perforate au apărut la Bienala din 1949, criticii au fost derutați, iar vizitatorii au râs; tăieturile au fost atacate tocmai fiindcă păreau atât de ușor de imitat. Între timp, piața a răsturnat complet argumentul: în 2015, un Concetto spaziale, La fine di Dio galben s-a vândut la Christie’s cu 29,2 milioane de dolari, o sumă pe care cei care râseseră la Veneția nici nu și-ar fi putut-o imagina.

Recunoașterea a venit târziu și dintr-odată. La Bienala de la Veneția din 1966, a construit împreună cu Carlo Scarpa o încăpere ovală, albă, în care erau expuse pânze străbătute de o singură tăietură, și a câștigat Marele Premiu pentru pictură; în același an, Walker Art Center i-a organizat prima expoziție personală într-un muzeu american, iar el a apărut, într-o uniformă de gală brodată, în filmul lui Ugo Nespolo La galante avventura del cavaliere dal lieto volto. În 1968, a așezat o singură tăietură de ipsos în centrul unui labirint complet alb, la Documenta 4 din Kassel, apoi a părăsit Milano și s-a mutat la Comabbio, satul familiei sale de lângă Varese, unde a murit la 7 septembrie 1968, la 69 de ani. Soția sa, Teresita Rasini, pe care o cunoscuse în 1930 și cu care se căsătorise în 1952, a înființat Fondazione Lucio Fontana în 1982 și i-a lăsat peste șase sute dintre lucrările sale.

Fundația a continuat să mențină opera în circuit. Retrospectivele de la Centre Pompidou și Met Breuer au fost urmate, în 2025, de prima expoziție muzeală dedicată exclusiv ceramicii sale, la Peggy Guggenheim Collection din Veneția. Până la 19 decembrie 2026, Hauser & Wirth Hong Kong prezintă Lucio Fontana: Spatialism. Pioneering the Contemporary, curatoriată de Luca Massimo Barbero, alături de prima introducere amplă în opera artistului în limba chineză simplificată. Fiecare nou public întâlnește aceeași idee pe care Fontana a formulat-o cu un cuțit: un tablou poate fi un prag, nu o fereastră, iar ceea ce se află în spatele lui face parte din operă.

Etichete: artists, artisti, artă italiană, Lucio Fontana, Bienala de la Veneția, Carlo Scarpa