Marisa Merz, artista din Arte Povera care a început să sculpteze în bucătărie

Prima mare sculptură realizată de Marisa Merz a rămas luni întregi în casa ei. A tăiat foi de aluminiu cu foarfeca, a prins fâșiile cu capse, formând spirale și colaci, apoi le-a agățat de tavanul bucătăriei din apartamentul din Torino pe care îl împărțea cu artistul Mario Merz. Treptat, formele au ajuns în sufragerie și s-au încolăcit în jurul televizorului. Fiica ei își amintește că îi era frică de ele. Pe alocuri, metalul păstrează și acum o ușoară patină gălbuie, lăsată de fumul de țigară și de uleiul de gătit.

Merz a numit aceste lucrări Living Sculpture; una dintre ele face acum parte din colecția Tate Modern, iar alta, din cea a GAM, galeria municipală de artă modernă din Torino. Artista care le-a creat e mai greu de încadrat. A fost singura femeie asociată cu Arte Povera, mișcarea italiană construită din frânghii, zdrențe, pământ și resturi, iar în cea mai mare parte a carierei criticii o prezentau mai întâi drept soția unuia dintre principalii ei reprezentanți. Multe dintre lucrările sale au rămas fără dată și fără titlu, iar documentele lăsate în urmă sunt atât de puține, încât sursele de referință nici măcar nu cad de acord asupra anului în care s-a născut. Acum, Torino îi marchează centenarul printr-o retrospectivă desfășurată în trei instituții, moștenind totodată o întrebare la care artista a refuzat să răspundă toată viața.

Ce se știe începe la Torino, unde s-a născut la 23 mai 1926 și unde tatăl ei lucra pentru Fiat. În anii 1940, a pozat ca model pentru pictorul Felice Casorati. În rest, curatorii primei sale retrospective americane, organizate în 2017, au spus că nu au găsit aproape nimic despre viața ei de dinainte de 1960, nici măcar un certificat de naștere. În acel an s-a căsătorit cu Mario Merz, iar fiica lor, Beatrice, s-a născut.

Sculpturile din bucătărie au apărut în 1966, când artista stătea acasă cu un copil mic. „Tăiam lucrurile astea și le coseam împreună; totul avea un ritm, dar și nevoie de timp, de mult timp”, avea să spună mai târziu. „Totul avea aceeași prioritate: Bea și lucrurile pe care le coseam.” Titlul făcea trimitere la compania newyorkeză Living Theatre, iar aluminiul a avut curând și o a doua viață, ca măruntaie ale unui monstru în Il mostro verde, un scurtmetraj underground de Tonino De Bernardi și Paolo Menzio.

În 1967, anul în care comerciantul de artă Gian Enzo Sperone a prezentat sculpturile în galeria sa din Torino, criticul Germano Celant a inventat termenul Arte Povera, iar prima expoziție organizată sub acest nume nu a inclus-o. A intrat pe ușa laterală. În octombrie 1968 a participat la manifestarea Arte Povera + Azioni Povere de la Amalfi, alături de Michelangelo Pistoletto, Alighiero Boetti, Giovanni Anselmo și soțul ei, iar materialele sale au trecut de la aluminiu la sârmă de cupru tricotată și fir de nailon. Scarpette, din 1968, sunt papuci tricotați pe măsura propriilor picioare și a celor ale fiicei sale; la galeria L’Attico din Roma, i-a purtat în timpul unei acțiuni, ca și cum sculptura ar fi fost pur și simplu parte din ținuta ei. O altă lucrare de perete reda porecla copilului din ghemotoace de plasă de nailon, cu andrelele încă înfipte în ea.

Prima sa expoziție personală de la L’Attico, în 1970, a fost însoțită de o acțiune pe plaja de la Fregene, unde a așezat pături rulate de-a lungul țărmului. În același an, a zburat cu un avion privat de mici dimensiuni și a tratat călătoria, documentată în fotografii, ca pe o lucrare de sine stătătoare. Un vers dintr-un poem scris despre acea experiență — „cerul este un spațiu vast” — avea să dea mai târziu titlul retrospectivei sale americane. În 1975, a doua expoziție de la L’Attico a reunit țesăturile din cupru, un bol cu sare, pantofii și lucrarea cu numele, sub o propoziție care pare să-i rezume metoda: Ad occhi chiusi gli occhi sono straordinariamente aperti, cu ochii închiși, ochii sunt extraordinar de deschiși.

De la mijlocul anilor 1970, lucrările au cuprins încăperi întregi, trecând de la spațiul public al unei galerii la cel ascuns al unei pivnițe, și a ieșit la iveală o nouă temă: chipul omenesc. Capete mici din lut nears, ceară și ipsos, uneori atinse cu foiță de aur sau înfășurate în sârmă de cupru, au preocupat-o mai bine de patruzeci de ani. În 1980 a creat E il naufragar m’è dolce in questo mare, al cărei titlu preia ultimul vers din poemul L’infinito de Giacomo Leopardi, mai întâi pentru galeria Tucci Russo din Torino, apoi pentru Bienala de la Veneția. Documenta de la Kassel a invitat-o în 1982 și din nou în 1992, iar Centre Pompidou i-a dedicat o expoziție personală în 1994.

Povestea obișnuită prezintă recunoașterea târzie a artistei ca pe o reparație: soția ignorată, văzută în sfârșit. Lucrurile sunt mai complicate. În cronica retrospectivei de la Met Breuer, publicată în The New Yorker, Peter Schjeldahl a comparat cuplul cu Diego Rivera și Frida Kahlo, iar curatorul Ian Alteveer i-a spus că Mario îi cerea adesea părerea despre montarea propriilor expoziții. Influența circula în ambele sensuri; documentele au păstrat însă o singură direcție. Merz a refuzat și să se considere feministă sau să-și numească arta feministă, într-atât încât a cerut eliminarea cuvântului din titlul unui eseu din catalogul expoziției, deși bucătăria, lucrările ei de tricotaj și papucii fiicei o transformau, pentru criticii feminiști, în cel mai evident exemplu al mișcării. La Castello di Rivoli, curatorii au alcătuit ceea ce numesc o retrospectivă extinsă, prezentând-o alături de zece artiste din generații ulterioare, printre care Tacita Dean, Miriam Cahn și Lara Favaretto. E o idee generoasă, dar și un cadru — o femeie printre femei — pe care artista l-a ocolit timp de decenii.

Recunoașterea a venit de la Veneția. La cea de-a 49-a Bienală, în 2001, a primit Premiul Special al Juriului, iar în 2013, cea de-a 55-a ediție, curatoriată de Massimiliano Gioni, i-a acordat Leul de Aur pentru întreaga carieră, premiu împărțit în acel an cu pictorița austriacă Maria Lassnig. Rămasă văduvă în 2003, Merz încă lucra la Torino la nouăzeci de ani, când The Sky Is a Great Space, prima sa mare retrospectivă americană, s-a deschis la Met Breuer din New York, în ianuarie 2017, apoi a ajuns la Hammer Museum din Los Angeles. A murit la Torino la 19 iulie 2019, la 93 de ani. Ultima sa expoziție personală, Geometrie sconnesse palpiti geometrici, s-a deschis două luni mai târziu la MASI, în Lugano.

De atunci, patrimoniul artistic, administrat de Beatrice Merz prin Fondazione Merz din Torino, a continuat să ducă lucrările dintr-un loc în altul; în 2025, Kunstmuseum Bern i-a dedicat cea mai amplă retrospectivă organizată vreodată în Elveția. Pe 29 octombrie 2026 se deschide La danza delle ore — „Dansul orelor” —, o expoziție în trei capitole, care poate fi vizitată până la 4 aprilie 2027. Castello di Rivoli reconstruiește instalația inspirată de Leopardi, realizată în 1980, în spațiul său Manica Lunga. Fondazione Merz urmărește procesul artistei: felul în care alegea obiectele și le echilibra astfel încât să pară gata să cadă. La GAM, Living Sculpture, din 1966, este din nou expusă după restaurarea de la centrul de conservare La Venaria Reale.

Astfel, aluminiul care odinioară umplea bucătăria unei familii, cu tot cu petele de fum, revine într-un muzeu public din orașul în care a fost tăiat. Mesajul său a rămas același: orele petrecute acasă, având grijă de un copil și tăind metal la aceeași masă, nu au fost niciodată un timp de mâna a doua.

Etichete: artists, artă italiană, Arte povera, Marisa Merz, Germano Celant, La danza delle ore

Persoane asociate

Giorgio Morandi

Lucio Fontana

Henri Matisse

Art Spiegelman

Alex Katz

Grant Wood