Alex Katz, pictorul care a transformat simplitatea în radicalitate artistică

Alex Katz

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Născut	24 iulie 1927 Brooklyn, New York, United States
Ocupație	Pictor
Premii	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

Întrebarea pe care Alex Katz nu s-a ostenit niciodată să o răspundă era cea pe care pictura americană a insistat în anii 1950 și 1960 că este singura care merită pusă: ce înseamnă să pictezi din interior spre exterior? Expresioniștii abstracți aveau un răspuns — gest, scară, necesitate psihică. Katz avea un proiect diferit. Voia să picteze fața Adei exact așa cum apărea în lumina după-amiezii și nu era deosebit de interesat să teoretizeze pe marginea ei.

Ceea ce făcea el era mai greu de respins decât părea. În același an în care picturile prin picurare ale lui Jackson Pollock dominau discuția, Katz dezvolta un stil care aplatiza totul — formă, umbră, ierarhie — în câmpuri mari de culoare întrerupte de conturul specific al unei fețe, unui copac, unei rochii de petrecere. A crescut în Queens, fiul unor imigranți evrei din Odesa. Tatăl său deținuse o fabrică acolo înainte ca revoluția sovietică să încheie acel capitol al istoriei familiei. Katz a studiat la Cooper Union la sfârșitul anilor 1940, apoi a petrecut o vară formativă la Skowhegan School din Maine, întâlnind un peisaj la care avea să se întoarcă pentru tot restul vieții. Prima sa expoziție individuală a avut loc în 1954 la Roko Gallery. În deceniul care a urmat, a distrus aproximativ 1.000 de pânze — nu din disperare, ci din precizie. Căuta ceva specific și a aruncat tot ce nu era acel ceva.

Ceea ce a găsit a fost un mod de pictură care datora la fel de mult gravurilor japoneze și cinematografiei, cât și tradiției americane. Lucrările de mari dimensiuni pe care a început să le producă la începutul anilor 1960 aveau certitudinea grafică a afișelor. The Black Dress (1960) o înfățișa pe Ada de șase ori în aceeași rochie neagră de cocktail, aranjată ca o foaie de contact cinematografică. The Red Smile (1963), aproape trei metri lățime, plasa profilul ei pe un fundal roșu care funcționa mai puțin ca fundal și mai mult ca atmosferă — culoarea unei încăperi din care nu puteai ieși. Blue Umbrella I (1972) a ridicat și mai mult miza, atingând dimensiuni care o apropiau mai mult de arhitectură decât de realizarea unei imagini. Cel mai scump Katz scos la licitație, a depășit trei milioane de lire sterline. Niciunul dintre acestea nu a venit din alergarea după piață. Piața a sosit lent, de-a lungul deceniilor, și l-a găsit pe un pictor care făcuse aceleași mișcări calculate tot timpul.

Ambițiile publice erau și ele literale. În 1977, Katz a instalat un panou publicitar în Times Square: 23 de capete-portret pe 75 de metri lungime, 6 metri înălțime. Trei ani mai târziu a finalizat o murală pentru clădirea U.S. Attorney’s Building de la Foley Square. Lucrarea se extindea la scară, în timp ce logica rămânea complet interioară — fețe, locuri, lumină.

Ada Del Moro, pe care Katz a întâlnit-o la o deschidere de galerie în 1957 și pe care a luat-o de soție la 1 februarie 1958, a devenit subiectul a peste 250 de portrete de-a lungul căsniciei lor. Este una dintre cele mai pictate femei din istoria artei americane, dar picturile rezistă interpretării psihologice într-un mod care i-a făcut pe critici să se simtă inconfortabil. Nu îți spun ce gândește Ada. Îți spun ce făcea lumina în momentul în care Katz privea. Dacă aceasta este o limitare sau un principiu a fost dezbaterea centrală despre opera sa timp de 60 de ani.

Această dezbatere merită examinată direct. Aplatizarea afectului în portretele lui Katz — suprafața care oferă informații despre postură și culoare și croiala unui palton, dar reține drama interioară pe care pictura în ulei este istoric menită să o dezvăluie — este citită de unii critici ca o eludare. Robert Storr a identificat în lucrare „un tip nou și distinctiv de realism în arta americană, care combină aspecte atât ale abstracției, cât și ale reprezentării”, ceea ce este un mod de a descrie lucrurile. Altul este că Katz a găsit o modalitate de a-l face pe privitor să furnizeze psihologia pe care pictorul a reținut-o, și că această reținere este ea însăși o formă de control. Picturile nu se confesează. Ele prezintă.

Din 2022 lucrează din fotografii făcute cu iPhone — același ochi analitic aplicat unui nou material sursă. Seria Four Seasons, expusă la SCAI PIRAMIDE din Tokyo în vara anului 2025, a transpus instantanee din Maine în pânze de mari dimensiuni, cu aceeași claritate guvernatoare pe care a aplicat-o tuturor lucrurilor. O serie de nuferi albi a urmat, de data aceasta din fotografii făcute pe plajele din Maine. La sfârșitul anului 2025, picturi noi la Gladstone Gallery din New York au explorat o singură portocală pe fundal alb — drumuri din Maine, reduse la temperatura lor esențială.

A împlinit 99 de ani pe 24 iulie 2026. În lunile din jurul acelei aniversări, lucrările sale au apărut la Tübingen, Londra, Salzburg și Seul. Colby College Museum of Art din Maine a organizat o expoziție de desene. National Medal of Arts, pe care a primit-o la Casa Albă în octombrie 2024, a notat că opera sa evocă un portret durabil al Americii. Ceea ce Katz a evocat de fapt este mai specific decât atât: un portret durabil al ceea ce costă să privești cu atenție lucrurile obișnuite timp de 70 de ani și să rezisti presiunii de a explica ceea ce găsești.

Etichete: artists, artiști vizuali, artă americană, Ada Katz, Alex Katz, Blue Umbrella I