Lee Ufan, artistul care a făcut dintr-o piatră și o placă de oțel o filozofie

Lee Ufan

Născut	24 iunie 1936 Seoul
Ocupație	Pictor și sculptor
Premii	Ordinul Meritului Cultural · Premiul Ho-Am în Arte · Legiunea de Onoare

Lee Ufan și-a petrecut cea mai mare parte a vieții profesionale încercând să facă mai puțin. Un bolovan așezat în fața unei foi de oțel nefinisat. O tușă cenușie trasată pe o pânză cât un perete, până când pensula rămâne fără culoare. El numește acest demers o artă a întâlnirii, nu a creației, și și-a susținut ideile în eseuri și în grădini de muzee, de la Naoshima la Versailles. Dacă există o problemă, ea ține de faptul că minimalismul său a devenit imposibil de confundat. Colecționarii recunosc un Lee într-un târg aglomerat, casele de licitații știu cât valorează fiecare tușă, iar artistul care și-a propus să se retragă din fața obiectului se află acum, la 90 de ani, în centrul unei celebrări a propriului nume, desfășurate în cinci țări.

Obiceiul de a privi cu atenție foarte puține lucruri s-a format devreme. A crescut în sudul peninsulei Coreene, pe când aceasta se afla încă sub stăpânire japoneză, în comitatul Haman și, mai târziu, la Busan. Bunicul său confucianist s-a ocupat acasă de lecțiile de caligrafie, pictură în tuș și clasici chinezi. Lee a spus că a preferat întotdeauna cărțile pensulelor. S-a înscris la pictură la Universitatea Națională din Seul, dar a rezistat doar câteva luni, apoi a plecat în Japonia într-o misiune de familie, ducându-i medicamente unui unchi bolnav. Unchiul i-a spus să rămână. Așa a făcut, iar în loc de pictură a început să studieze filosofia.

Până în 1961, Lee, născut la 24 iunie 1936, obținuse o diplomă în filosofie la Nihon University din Tokyo, unde principala sa obsesie era Martin Heidegger. O scurtă întoarcere în Coreea de Sud l-a adus în conflict cu guvernul militar, iar la mijlocul anilor 1960 revenise în Japonia, unde scria aproape la fel de mult pe cât picta. Prima sa expoziție personală s-a deschis la Sato Gallery din Tokyo, în martie 1967. În 1969, eseul său „From Object to Being” a câștigat un premiu al criticilor, iar textele despre sculptorul Nobuo Sekine au oferit o perspectivă asupra intervenției realizate de acesta într-un parc din Kobe, în 1968: a săpat o groapă cilindrică adâncă și a așezat pământul scos alături, sub forma unei coloane. Lucrarea, Phase—Mother Earth, a devenit piesa fondatoare a mișcării Mono-ha, „Școala lucrurilor”.

Lee a devenit teoreticianul mișcării și vocea ei cea mai articulată. Eseurile sale, reunite în 1971 sub titlul In Search of Encounter, susțineau că arta ar trebui să renunțe la fabricarea imaginilor și să pună în schimb lucrurile, oamenii și spațiul în contact, prezentând lumea, în formularea sa, așa cum este. Sculptura a urmat scrierilor. În Phenomena and Perception B, a lăsat o piatră să cadă pe o placă de sticlă și a permis crăpăturilor să se întindă în orice direcție. De la începutul anilor 1970, și-a intitulat aproape toate sculpturile Relatum: pietre alături de plăci de oțel, sticlă, bumbac sau cauciuc — fiecare fiind o relație, nu un obiect. Patru decenii mai târziu, a refăcut lucrarea cu sticla la Guggenheim, aplecându-se deasupra plăcii cu bolovanul în mâini.

Pictura a revenit într-o formă mai riguroasă. Seriile From Point și From Line, prezentate pentru prima dată la Tokyo Gallery în 1973, sunt realizate cu pigment mineral măcinat și legat cu clei obținut din piele de animal, materiale specifice tradiției nihonga pe care Lee și-o însușise. Pensula este încărcată o singură dată pentru fiecare semn, apoi acesta este repetat până când se consumă culoarea, astfel încât punctele și liniile pălesc pe pânză, asemenea unei respirații care se stinge. În 1975, Lee a fost consultant pentru expoziția Five Korean Artists, Five Kinds of White, organizată la aceeași galerie. Alături de Park Seo-bo și alți patru pictori, aceasta a lansat dansaekhwa — pictura monocromă coreeană — ca mișcare artistică. A predat la Tama Art University din 1973 până în 2007 și își împarte de multă vreme timpul între Kamakura și Paris.

Lucrările târzii elimină aproape totul. În With Winds, pictată între 1987 și 1991, tușele mai libere și mai rapide traversează suprafața. Correspondence, începută în 1991, reduce pânza la una sau două tușe gri-albăstrui, realizate cu ulei și piatră pisată, iar picturile Dialogue din ultimele două decenii așază o singură tușă pătrată, construită din numeroase straturi, pe un câmp alb amplu. Au urmat marile instituții: prima retrospectivă americană, la Guggenheim, în 2011; grădinile de la Versailles, în 2014; întreaga piață din fața Hirshhorn, la Washington, în 2019. Trei muzee îi poartă acum numele: unul pe insula Naoshima, proiectat de Tadao Ando în 2010; Space Lee Ufan din Busan, deschis în 2015; și Lee Ufan Arles, amenajat din 2022 într-un conac renovat de Ando.

Aici devine incomodă discuția despre succes. O artă a non-creației s-a dovedit extrem de ușor de citit, iar o singură tușă cenușie este ușor de recunoscut și, după cum a aflat piața, ușor de copiat. În 2014, o pânză From Line din 1976 s-a vândut la Sotheby’s cu 2.165.000 de dolari, iar între 2000 și 2011 mai multe lucrări ale sale decât ale oricărui alt artist au ajuns în topul celor mai mari o sută de prețuri la licitațiile din Coreea. În 2016, poliția din Seul și Serviciul Național de Criminalistică au declarat falsuri treisprezece tablouri atribuite artistului. Lee a examinat personal pânzele, a spus că îi aparțin și s-a plâns că anchetatorii au făcut presiuni asupra lui pentru a recunoaște că unele erau falsuri. Instanțele au dat dreptate poliției: în 2017, judecătorii din Seul i-au trimis la închisoare, pentru pedepse de până la șapte ani, pe dealerii și pictorul din spatele falsurilor. A rămas o întrebare stânjenitoare în privința unui artist care vorbește despre scoaterea eului din lucrare: dacă mâna contează atât de puțin, cine hotărăște a cui a fost? Istoricul de artă Joan Kee l-a numit cândva omul care era pretutindeni și nicăieri, iar formularea funcționează în ambele sensuri.

Nimic din toate acestea nu l-a încetinit. Lee a împlinit 90 de ani la 24 iunie, iar anul a fost construit în jurul lui. În mai, Dia a deschis o expoziție de durată la Dia Beacon, cu opt picturi donate fundației de artist în 2025, iar la San Marco Art Centre din Veneția a fost inaugurată o amplă retrospectivă, eveniment colateral al Bienalei, deschisă până la 22 noiembrie. În iulie, Palais des Papes din Avignon a prezentat patru instalații adaptate pentru capelele, bucătăria și claustrul palatului papal, în cadrul celebrărilor care marchează 140 de ani de relații diplomatice între Franța și Coreea; lucrările pot fi văzute până la 15 noiembrie. Pe 16 octombrie, Fundația Serralves din Porto deschide Fragments of Infinity, prima sa expoziție majoră în Portugalia, care include o pictură realizată special pentru vilă.

Urmează Kölnul. Pe 6 noiembrie, Museum Ludwig îi va decerna Premiul Wolfgang Hahn, iar a doua zi va deschide o expoziție personală, care va putea fi vizitată până la 4 aprilie 2027. Muzeul a alocat până la 100.000 de euro pentru achiziționarea unei lucrări de-ale sale în vederea includerii în colecție. Lee a spus mereu că piatra contează la fel de mult ca mâna care o așază. La Köln, ca și la Porto și Avignon în această toamnă, mâna va fi tot a lui.

Etichete: artists, Lee Ufan, artă coreeană, From Line, From Point, Mono-ha