Acasă Blog Pagina 3

Arthur Ross Gallery Deschide Expoziția „David C. Driskell and Friends: Creativity, Collaboration, and Friendship”

Arthur Ross Gallery de la Universitatea din Pennsylvania are plăcerea de a prezenta David C. Driskell and Friends: Creativity, Collaboration, & Friends, o expoziție care explorează lucrările renumitului artist, istoric de artă și curator David C. Driskell și relațiile sale cu figuri precum Romare Bearden, Elizabeth Catlett, Jacob Lawrence, Keith Morrison, Hale Woodruff și alții. În această a patra iterație a expoziției naționale itinerante, accentul curatorului va fi pe formă și culoare în abstracție, în perioada 15 iunie – 15 septembrie 2024.

Alma Thomas
Alma Thomas, Untitled, c. 1966, Acrylic on paper, 9 x 35.50 in. Gift of Susan Kaim Talley and Bascom D. Talley III, 2020.04.001, Photography by Greg Staley, 2020

În 1976, Driskell a curatoriat expoziția inovatoare Two Centuries of Black American Art: 1750–1950, care a fost esențială pentru extinderea prezenței artei contemporane și istorice americane de culoare în muzeele americane. Mulți dintre artiștii care au fost prezentați sunt incluși și în această expoziție. David C. Driskell & Friends: Creativity, Collaboration, and Friendship subliniază recunoașterea recentă a artei afro-americane și a diasporei africane ca parte integrantă a canonului istoriei artei. Driskell a fost un catalizator esențial în această mișcare pentru o mai mare vizibilitate atât ca savant, cât și ca artist, o dublă cale care este explorată în această importantă expoziție.

Actuala iterație a expoziției naționale itinerante, co-curatoriată de Sheila Bergman, Curlee Raven Holton și Heather Sincavage, se va concentra pe abstracție în lucrările lui Driskell, Charles Alston, Romare Bearden, John Biggers, Elizabeth Catlett, Claude Clark Sr., Aaron Douglas, Melvin Edwards, Felrath Hines, Earl J. Hooks, Margo Humphrey, Lois Mailou Jones, Jacob Lawrence, Norman Lewis, Richard Mayhew, Sam Middleton, Keith Morrison, Mary Lovelace O’Neal, Betye Saar, Alma Thomas, Charles White, Williams T. Williams, Ellis Wilson și Hale Woodruff. Organizată în colaborare cu Gwendolyn DuBois Shaw, directorul inaugural al Facultății la Arthur Ross Gallery, David C. Driskell & Friends: Creativity, Collaboration, and Friendship va pune în prim-plan utilizarea formei și culorii de către artiști și interesul lor pentru locurile care alcătuiesc vasta diasporă africană.

„Această expoziție exemplifică schimbarea radicală pe care lucrările și viziunea curatorială a lui David C. Driskell le reprezintă,” a spus Emily Zimmerman, Director de Expoziții și Afaceri Curatoriale la Arthur Ross Gallery. „Ca galerie de artă universitară dedicată cercetării transformative, este o plăcere să prezentăm lucrările unui grup de artiști care au schimbat cursul istoriei artei pentru a canoniza lucrările artiștilor afro-americani și ai diasporei africane în anii ’70. Era radical atunci și rămâne un capitol vital în istoria artei.”

David C. Driskell & Friends: Creativity, Collaboration, and Friendship subliniază moștenirea artistică a lui David C. Driskell și importanța relațiilor sale cu alți artiști, având un loc semnificativ în canonul artistic. Expoziția va fi însoțită de un catalog care include lucrări de artă, fotografii, eseuri și materiale extinse despre viața și lucrările lui Driskell.

Această expoziție itinerantă a debutat la Sordoni Art Gallery a Universității Wilkes și a fost expusă la California Museum of Photography de la University of California, Riverside și la The David C. Driskell Center de la University of Maryland înainte de a ajunge la Arthur Ross Gallery. Va călători și la Marshall M. Fredericks Sculpture Museum de la Saginaw Valley State University, Frist Art Museum și Patricia & Phillip Frost Art Museum de la Florida International University.

David C. Driskell & Friends: Creativity, Collaboration, and Friendship este organizată de The Driskell Center, University of Maryland. Această expoziție și programele aferente sunt susținute de Teiger Foundation.

David C. Driskell, Five Blue Notes
David C. Driskell, Five Blue Notes, 1980, Painting, 22.50 x 29.50 in. Gift of Nene Humphrey from the Benny Andrews and Nene Humphrey Collection, 2010.06.020 © David C. Driskell/David C. Driskell Center, 2017, Photography by Greg Staley, 2018.

Sezonul Trei al Serialului Dramatic Original HBO „Industrie” Debutează pe 11 August

Cel de-al treilea sezon, alcătuit din opt episoade, al serialului dramatic original HBO INDUSTRIE, creat de Mickey Down și Konrad Kay, va debuta DUMINICĂ, 11 AUGUST (9:00-10:00 p.m. ET/PT) pe HBO și va fi disponibil pentru streaming pe Max.

INDUSTRIE oferă o privire din interior asupra lumii financiare de înaltă performanță, urmărind un grup de tineri bancheri care își construiesc identitățile într-un mediu presant și alimentat de sex și droguri, în cadrul biroului internațional al băncii Pierpoint & Co din Londra.

În sezonul trei, în timp ce Pierpoint se îndreaptă către viitor și face un pariu mare pe investițiile etice, Yasmin (Marisa Abela), Robert (Harry Lawtey) și Eric (Ken Leung) se află în centrul IPO-ului spectaculos al Lumi, o companie de tehnologie verde condusă de Henry Muck (Kit Harington), într-o poveste care ajunge până la cele mai înalte niveluri din finanțe, media și guvern. După ce a părăsit Pierpoint, Harper (Myha’la) este dornică să revină în lumea financiară plină de adrenalină și găsește un partener neașteptat în managerul de portofoliu FutureDawn, Petra Koenig (Sarah Goldberg).

Distribuția sezonului trei include actori care revin precum Myha’la, Marisa Abela, Harry Lawtey, Ken Leung, Conor MacNeill, Sagar Radia, Indy Lewis, Adam Levy, Sarah Parish, Trevor White, Elena Saurel și Irfan Shamji, precum și noi apariții precum Kit Harington în rolul Henry Muck, Sarah Goldberg în rolul Petra Koenig, Miriam Petche în rolul Sweetpea Golightly, Andrew Cavill în rolul Lord Norton, Roger Barclay în rolul Otto Mostyn, Fady Elsayed în rolul Ali El Mansour și Fiona Button în rolul Denise Oldroyd.

INDUSTRIE este creat, scris și produs executiv de Mickey Down și Konrad Kay. Serialul este o producție Bad Wolf pentru HBO/BBC și este produs executiv de Jane Tranter, Kate Crowther și Ryan Rasmussen pentru Bad Wolf, și Rebecca Ferguson pentru BBC. Regizorii includ Mickey Down și Konrad Kay, Isabella Eklöf și Zoé Wittock.

Nu ratați premiera sezonului trei al serialului INDUSTRIE, pe 11 august, doar pe HBO și Max!

Industry
Industry: Myha’la, Harry Lawtey and Marisa Abela. Photograph by Simon Ridgway/HBO

„Cele mai dure forțe armate din lume” O serie documentară pe Netflix

Cele mai dure forțe armate din lume” este un documentar regizat de Dominic Hill.

Astăzi, Netflix schimbă complet direcția, oferindu-ne un documentar impresionant despre cele mai bune forțe speciale din lume: de la Iordania până la Marina Statelor Unite, trecând prin Filipine, forțele armate suedeze, Malaezia și lupta împotriva traficanților de droguri din cadrul poliției columbiene. Acest documentar ne permite să vedem în acțiune un grup de bărbați care desfășoară operațiuni speciale, un adevărat deliciu pentru pasionații de conflicte militare și filme despre comando, forțe speciale și altele.

Context Global

Ținând cont de situația internațională și influența globală a platformei Netflix, acest documentar ne provoacă să reflectăm profund. Fără îndoială, cu toții ne punem aceeași întrebare atunci când vizionăm astfel de producții: până unde mergem cu glorificarea acestor operațiuni și ce impact are aceasta asupra percepției noastre despre conflictele armate?

Descrierea Seriei

„Cele mai dure forțe armate din lume” este o serie documentară realistă și coerentă, care oferă o perspectivă puternic apropiată de viața forțelor speciale. În cele 8 episoade ale sale, această serie este ideală pentru iubitorii de operațiuni speciale și bătălii. Experiența este asemănătoare cu jocul video „Call of Duty”, permițându-ne să trăim în mod direct cum sunt aceste persoane și ce fac ele (și da, seamănă cu jocul video).

Seria documentară este mai mult decât o simplă incursiune în viața acestor oameni; este un nou mod de a face turism virtual, explorând diverse locații conflictuale din întreaga lume.

Calitățile Documentarului

Chiar dacă acest tip de subiecte nu sunt pe gustul tuturor, trebuie să recunoaștem meritele documentarului:

  • Realism: Imaginile sunt extrem de realiste și puternice, oferindu-ne o viziune brută asupra vieții și antrenamentelor acestor soldați.
  • Documentație Impecabilă: Documentarul se distinge prin documentarea sa riguroasă, reușind să atingă toate obiectivele propuse.
  • Explorare Globală: Realizează un tur global al celor mai bune forțe speciale, oferind o perspectivă amplă și detaliată asupra acestora.

Documentarul nu este nici belicos, nici politic, ci mai degrabă o explorare a vieții acestor bărbați aflați pe câmpul de luptă, ilustrând ceea ce fac și cum fac.

Opinia Noastră

Opinia noastră despre această serie documentară nu poate fi decât pozitivă. Este filmată fenomenal, realistă și reușește să ne ofere o imagine fidelă a realității acestor forțe speciale.

Cu toate acestea, există o întrebare subsecventă care rămâne nespusă și care ne provoacă adevărate temeri: ce impact are această glorificare a forțelor speciale asupra percepției noastre colective și asupra viitorului conflictelor armate?

În concluzie, „Cele mai dure forțe armate din lume” este un documentar esențial pentru oricine dorește să înțeleagă mai bine complexitatea și realitatea vieții în cadrul forțelor speciale internaționale.

Unde să vizionați „Cele mai dure forțe armate din lume”

Netflix

Calder: Un effet du japonais – Expoziție Solitară la Galeria Azabudai Hills după Aproape 35 de Ani

În mai 2024, Galeria Azabudai Hills va deschide prima expoziție solo a lucrărilor lui Alexander Calder în Tokyo după aproape 35 de ani. Aproximativ 100 de lucrări din colecția Fundației Calder, inclusiv mobilele semnătură ale artistului, vor fi expuse.

Galeria Azabudai Hills (Azabudai Hills Garden Plaza A MBF) va găzdui „Calder: Un effet du japonais”—prima expoziție solo a artistului în Tokyo după aproape 35 de ani—de joi, 30 mai 2024, până vineri, 6 septembrie 2024.

„Calder: Un effet du japonais” va explora rezonanța durabilă a artei modernistului american cu tradițiile și estetica japoneză. Curatoriată de Alexander S. C. Rower, președintele Fundației Calder din New York, și organizată în colaborare cu Galerie Pace, expoziția va cuprinde aproximativ 100 de lucrări din colecția Fundației Calder, acoperind perioada anilor 1930-1970, incluzând mobilele, stabilele și mobilele statice semnătură ale artistului, precum și picturile în ulei și lucrările pe hârtie.

Deși Calder nu a călătorit niciodată în Japonia, el a fost îmbrățișat de mulți dintre artiștii și poeții țării în timpul vieții sale. Astăzi, peste douăzeci din lucrările sale pot fi găsite în 18 muzee din Japonia. În spiritul colaborărilor lui Calder cu cei mai mari arhitecți ai timpului său, Stephanie Goto din New York—a colaborator de lungă durată al Fundației Calder—a creat un design expozițional personalizat, bazat pe geometria unui triunghi de 3:4:5, care prezintă referințe elegante și moderne la arhitectura și materialele japoneze.

„Calder: Un effet du japonais” este organizată ca parte a unui nou parteneriat curatorial între Galeria Azabudai Hills și Galerie Pace, care va deschide un spațiu permanent în iulie 2024 în Azabudai Hills din Tokyo. Pace a colaborat îndeaproape cu moștenirea lui Calder din 1984 și a prezentat numeroase expoziții ale lucrărilor acestuia în galeriile sale din întreaga lume, inclusiv Hong Kong și Seul. Pace Publishing va lansa un nou catalog în engleză și japoneză pentru a însoți expoziția viitoare din Tokyo.

Despre Alexander Calder

Alexander Calder (n. 1898, Lawnton, Pennsylvania; d. 1976, New York City) este considerat pe scară largă unul dintre cei mai importanți artiști ai secolului 20. Născut într-o familie de artiști celebri, deși mai clasic antrenați, și-a început practica artistică dezvoltând o nouă metodă de sculptură: îndoind și răsucind sârma, el a „desenat” figurine tridimensionale în spațiu. Calder este cel mai bine cunoscut pentru invenția „mobilului,” în care elementele suspendate și abstracte se mișcă și se echilibrează într-o armonie în schimbare. Termenul „mobil” a fost inventat de Marcel Duchamp în 1931 și se referă la „mișcare” și „motivație” în franceză. Unele dintre primele mobile erau acționate de motoare, deși aceste mecanisme au fost practic abandonate pe măsură ce Calder a dezvoltat obiecte care răspundeau la curenți de aer, lumină, umiditate și interacțiune umană. Folosind mișcarea ca element cheie în mobilele sale suspendate, el a fost unul dintre primii practicieni ai artei cinetice. El a creat, de asemenea, lucrări abstracte staționare pe care colegul său artist Jean Arp le-a numit „stabiles.”

Deși este cel mai renumit pentru mobilele sale, care au transformat concepția modernă despre sculptură, Calder a lucrat și în pictură, desen, imprimare și fabricare de bijuterii. Începând cu anii 1950, și-a îndreptat atenția către comenzi internaționale și s-a dedicat tot mai mult realizării de sculpturi de exterior la scară mare din plăci de oțel boltite—astăzi, aceste lucrări monumentale pot fi găsite în spații publice din întreaga lume.

Simularea polițienească imersivă se întâlnește cu acțiunea Sandbox: Trailerul „The Precinct” a fost dezvăluit

Leamington Spa, UK – 21 Mai 2024 – Editorul de jocuri lider din Marea Britanie, Kwalee, și studioul britanic Fallen Tree Games sunt încântați să dezvăluie trailer-ul mult așteptat pentru cea mai nouă creație a lor, „The Precinct.” Combinând complexitatea unei simulări de poliție cu adrenalina unei acțiuni în stil sandbox, „The Precinct” promite să revoluționeze genul.

Intitulat „A Day in Averno City,” trailer-ul lansat recent oferă o privire captivantă asupra experienței imersive care îi așteaptă pe jucători. Naratorul Lewis Boadle, director de artă la Fallen Tree Games, prezintă rutina zilnică a unui polițist de proximitate care navighează pe străzile aglomerate ale orașului Averno. Cu o atenție meticuloasă la detalii, Boadle ghidează spectatorii prin mecanicile de patrulare ale jocului, oferind o mostră fascinantă a ceea ce îi așteaptă în această lume dinamică.

„The Precinct” se distinge prin îmbinarea subtilă a nuanțelor procedurilor de poliție cu entuziasmul explorării într-o lume deschisă. Jucătorii vor intra în pielea ofițerilor de poliție care au sarcina de a menține ordinea în Averno City, o metropolă vastă plină de viață și mistere. De la opriri de trafic de rutină până la investigații criminale cu mize mari, fiecare decizie luată va modela soarta orașului și a locuitorilor săi.

Ade Lovell Lawton, șeful departamentului de marketing al Kwalee Gaming, și-a exprimat entuziasmul pentru „The Precinct,” afirmând: „Fallen Tree Games au pus toată pasiunea și sufletul lor în crearea unei experiențe care surprinde esența atât a simulării de poliție, cât și a spectacolului în stil sandbox. ‘A Day in Averno City’ oferă doar o privire asupra tapiseriei bogate a jocului care îi așteaptă pe jucători, și abia așteptăm ca aceștia să se afunde în ea și să o experimenteze personal.”

Rachel Feinstein își lansează noul spectacol special pe Netflix

Rachel Feinstein revine pe scena comediei cu un nou spectacol special, „Big Guy”, regizat de Gillian Laub. Cunoscută pentru umorul său plin de ironie și sinceritate dezarmantă, Feinstein ne oferă o privire amuzantă asupra vieții sale personale și a relațiilor sale.

În acest show, Feinstein abordează diverse subiecte, de la preferințele ei în materie de bărbați, la relațiile sale amoroase. Cu fiecare glumă și poveste, comediana reușește să cucerească publicul prin autenticitatea și carisma sa.

Unul dintre momentele de vârf ale spectacolului este când Rachel vorbește despre mama ei, imitându-i vocea cu umor și afecțiune. Reacția mamei sale la vestea că va avea un special pe Netflix este de-a dreptul hilară și subliniază talentul ei de a găsi umorul în situațiile cotidiene.

De la porecla neflatantă pe care i-o dă soțul ei, pompier de meserie, până la accesorizarea agresivă a mamei sale, Rachel Feinstein își deschide sufletul în fața publicului, oferind un spectacol plin de râsete și momente memorabile.

Încercați să nu ratați acest spectacol plin de haz și ironie, disponibil acum pe Netflix!

Despre Rachel Feinstein

Rachel Feinstein este o actriță și comediantă americană de renume. A ajuns în atenția publicului larg ca finalistă în sezonul 7 al emisiunii „Last Comic Standing” din 2010. În 2011, Feinstein și-a lansat primul album de comedie, „Thug Tears”, prin Comedy Central Records.

Primul său spectacol special de comedie, „Only Whores Wear Purple”, a fost lansat în 2016 și a consolidat poziția sa în lumea comediei. Feinstein a jucat, de asemenea, în filmul „Her Composition” din 2015, regizat de Stephan Littger, interpretând rolul unei comediante.

În 2013, a fost prezentă în jocul video „Grand Theft Auto V”, dând voce personajului Michelle Makes. Feinstein a apărut ulterior în seriile HBO „Crashing” (2017-2019), „Inside Amy Schumer” (2013-2022) și „Life & Beth” (2022). De asemenea, a fost invitată în emisiuni precum „Conan”, „The Tonight Show” și „The Late Late Show”.

Rachel Feinstein continuă să fie o prezență marcantă în industria comediei, aducând zâmbete și momente de neuitat publicului din întreaga lume.

Bucurați-vă de acest spectacol special și savurați umorul inconfundabil al lui Rachel Feinstein!

Unde să vizionați „Rachel Feinstein: Big Guy”

Netflix

Paul Taylor Dance Company Revine la Joyce Theater cu Extreme Taylor, Celebrând Gama Extraordinară a lui Paul Taylor

New York, NY –– Compania de Dans Paul Taylor se va întoarce la Joyce Theater cu Extreme Taylor, două programe ce prezintă un total de șapte clasice create de Paul Taylor, în perioada 25-30 iunie 2024. Programele celebrează observațiile inimitabile ale lui Taylor asupra condiției umane, în dansuri ce acoperă două decenii și jumătate de creativitate magistrală. Spectacolele includ: Duet (1964), Post Meridian (1965), Private Domain (1969), Big Bertha (1970), Runes (1975), Airs (1978) și Brandenburgs (1988). Biletele costă între $12 și $82 (inclusiv taxe) și sunt disponibile online.

„Extreme Taylor va oferi publicului o fereastră către perspectivele radicale, hipnotizante și profund resimțite ale lui Paul Taylor despre romantism, rău, bucurie și senzualitate,” a declarat Michael Novak, Director Artistic. „Când Paul coregrafia un dans pentru a celebra frumusețea, rezultatul era uluitor în puritatea sa, iar când confrunta ororile societății, publicul pur și simplu nu putea privi în altă parte. Privirile sale neînfricate asupra extremelor condiției umane, de-a lungul unei cariere coregrafice de 64 de ani, lăsau de fiecare dată publicul dorindu-și mai mult. Aceasta este o oportunitate rară de a gusta din spectrul extraordinar de divers al repertoriului creatorului de dans, de la controversatul Big Bertha și voyeuristicul Private Domain până la emoționantul Airs și exuberantul Brandenburgs, în setarea intimă a Joyce Theater. Extreme Taylor va fi extrem de captivant.”

Brandenburgs: Maria Ambrose, John Harnage. Photo by Ron Thiele
Brandenburgs: Maria Ambrose, John Harnage. Photo by Ron Thiele

Biletele costă între $12 și $82 (inclusiv taxe). Programul este următorul:

  • Marți, 25 iunie, ora 19:30: Private Domain, Duet, Big Bertha, Airs
  • Miercuri, 26 iunie, ora 19:30: Runes, Post Meridian, Brandenburgs (Urmat de o discuție)
  • Joi, 27 iunie, ora 20:00: Private Domain, Duet, Big Bertha, Airs
  • Vineri, 28 iunie, ora 20:00: Private Domain, Duet, Big Bertha, Airs
  • Sâmbătă, 29 iunie, ora 14:00: Runes, Post Meridian, Brandenburgs
  • Sâmbătă, 29 iunie, ora 20:00: Private Domain, Duet, Big Bertha, Airs
  • Duminică, 30 iunie, ora 14:00: Runes, Post Meridian, Brandenburgs

Descrierea Repertoarului:

  • Duet (1964): Acest duet romantic epitomizează arta creatorului de dans prin simplitate, frumusețe, puritate și delicatețe.
  • Post Meridian (1965): Influențat puternic de partitura comandată a lui Evelyn Lohoeffer de Boeck și costumele viu colorate ale lui Alex Katz, această lucrare de mișcare pură înlocuiește emoția cu execuția și forma pentru a crea una dintre cele mai avangardiste și curioase piese din repertoriu.
  • Private Domain (1969): Erotic, voyeuristic și confuz, Private Domain este interpretat în spatele unor perdele negre pe partea frontală a scenei, permițând fiecărui membru al audienței o vedere unică asupra dansului.
  • Big Bertha (1970): Invocând târgurile americane iconice și distracțiile lor mecanice, Big Bertha, pe care Taylor a comparat-o cu o poveste scurtă, dezvăluie ororile ce se ascund sub suprafața unei familii din Midwest manipulată și distrusă de o mașină muzicală malefică.
  • Runes (1975): Ritualuri necunoscute se desfășoară, transformând Runes într-un miracol al puterii coregrafice, evocând mister, atletism și frumusețe copleșitoare.
  • Airs (1978): Un joc de lirism și putere, Airs este un dans sprinten care explorează relațiile și romantismul.
  • Brandenburgs (1988): Elegant și virtuos, acesta este grandiozitatea coregrafică la cel mai înalt nivel, îmbrățișând atmosfera veselă a Concertelor Brandenburg ale lui Bach.

Finanțarea principală este oferită de Stephen Kroll Reidy. Suport major este oferit de SHS Foundation, Jody și John Arnhold, Howard Gilman Foundation, Shubert Foundation și un donator anonim. Finanțare adițională importantă este oferită de S&P Global, The Fan Fox and Leslie R. Samuels Foundation și The Gladys Krieble Delmas Foundation. Suport public este oferit de Departamentul de Afaceri Culturale al orașului New York, în parteneriat cu Consiliul Local, și de Consiliul de Artă al Statului New York cu suportul Oficiului Guvernatorului și Legislaturii Statului New York. Compania de Dans Paul Taylor recunoaște cu gratitudine contribuțiile testamentare ale lui Harlan Morse Blake și Mary J. Osborn pentru darurile lor transformatoare.

Una dintre cele mai iconice și dinamice ansambluri de dans modern ale timpului nostru, Compania de Dans Paul Taylor inovează și transformă arta dansului modern încă din 1954. Cu o istorie de colaborări multidisciplinare, expresie pasionată și atletism captivant, compania este cunoscută mondial pentru repertoriul său vast, interpretând lucrări din canonul fondatorului, noi creații realizate de unii dintre cei mai antrenanți coregrafi ai zilelor noastre, precum și dansuri istorice importante din secolele XX și XXI. Dedicată împărtășirii dansului modern celui mai larg public posibil, compania organizează turnee anuale atât pe plan intern, cât și internațional, cu spectacole și diverse programe educaționale și de implicare.

Naotaka Hiro: „Two Worlds” – The Box, Los Angeles

În cea mai recentă expoziție la The Box, Naotaka Hiro explorează rădăcinile procesului său artistic, revenind la începuturile sale când s-a mutat pentru prima dată în America la vârsta de 18 ani. Titlul, „Two Worlds”, făcând referire la substraturile psihologice ale operei sale, este și numele lucrării emblematice din această expoziție – un diptic compus din două panouri monumentale de lemn (108” x 156”), care va fi instalat într-o încăpere separată. Umplând spațiul cu abstracțiile sale dinamice, „Two Worlds” (2024) materializează un proces inconștient/conștient în doi pași, într-o relație alăturată.

Eforturile timpurii ale lui Hiro s-au concentrat pe realizarea de filme și performanțe. Datorită provocărilor de a comunica în engleză ca a doua limbă, și-a creat lucrările singur, servind simultan ca actor și regizor. Această abordare duală – schimbând constant între actorie și regie, filmare și post-producție – a fost geneza „celor două lumi” în practica sa de astăzi. După cum a explicat el, „Cred că practica mea artistică, fie că este vorba de desen sau pictură, are doi pași. Primul pas este mai subiectiv, intuitiv și organic, în timp ce al doilea pas este mai obiectiv și alert. Repet acești pași de mai multe ori, iar aproape două personaje continuu sunt de acord și intră în conflict unul cu celălalt pe tot parcursul procesului de pictură.”

Această expoziție pune în lumină modurile în care ideile timpurii emerg în lucrările recente ale artistului: prezentate împreună cu „Two Worlds” vor fi două sculpturi noi, fiecare bazată pe un mulaj de silicon al feței din videoclipul lui Hiro din 2013, „The Pit (Dancer with Golden Lips)”. În acel videoclip, care este de asemenea expus în expoziția curentă, Hiro poartă o mască inversată astfel încât buzele formează o gaură la partea din spate a capului. Fascinat de acel vid inefabil și inversarea stranie, artistul a produs o secvență de mișcări ale buzelor sale ca un tip de dans, un studiu al părților fizice și psihologice ale corpului nostru care nu sunt niciodată văzute sau înțelese.

Bazate pe masca originală, două noi sculpturi expuse – „Caving” (Bronz) și „Two Mouths” (Oțel Inoxidabil), ambele datate 2013/2024 – aduc două lumi în conversație. Partea stângă și dreaptă a unei fețe apar ca și cum ar aparține la două cosmosuri diferite: două personalități coexistând într-un singur corp.

De asemenea, va fi expusă noua pictură monumentală „The Swimmer” (2024), cea mai mare dintr-o serie de lucrări pe pânză nedesfășurată de Hiro, în care folosește corpul său ca instrument, înfășurându-și și integrându-și prezența corporală în pânză, vopsele și bețigașe de ulei prin intermediul unor frânghii și scripeți. Descriind acest proces, el a spus:

„Deplasarea pe lungimea de 25 de picioare de la un capăt la celălalt cu spray-uri și bețigașe de ulei se simțea ca înotul în ocean, fiind lovit de valuri sau urcând și coborând munți și văi. Experiența de a urca și coborî pe pânza pliată, pulverizând vopsele și trasând cu bețigașe de ulei era ca abordarea unui peisaj marin provocator. Punctele și liniile de pe pictură semnifică urmele lăsate de lupta cu materialul și dimensiunea pânzei. În cele din urmă, am simțit că fac o plută pe ocean pentru a mă salva. Fără ele, m-aș fi înecat.”

Împreună, lucrările din această expoziție sunt înregistrări ale rezistenței și prezenței explozive ale unui artist, dovezi ale puterii și energiei înrădăcinate în explorarea lui Hiro a două lumi care nu sunt izolate una de cealaltă, dar într-o stare constantă de tensiune și mutualitate.

Naotaka Hiro (n. 1972, Osaka, Japonia) trăiește și lucrează în Los Angeles. A primit diploma de B.F.A. de la Universitatea din California, Los Angeles, în 1997 și M.F.A. de la Institutul de Arte din California în 2000. Expoziții solo includ „In the Ravine” la Misako & Rosen, Tokyo (2019); „Subterranean & Wanderer” la Brennan & Griffin, New York (2019); și „Peaking” la The Box, Los Angeles (2016); „In the Ravine”, Misako & Rosen, Tokyo (2019); „Armor”, The Box LA, Los Angeles (2021); „Green Door”, Herald St., Londra (2021); „Sand-Man”, Bortolami, New York (2022). Expoziții de grup recente includ „Seven Stations: Selections from MOCA’s Collection” la MOCA, Los Angeles (2020); „In the Meanwhile…” la Muzeul de Artă Santa Barbara (2020); „50+50: A Creative Century from Chouinard to CalArts”, REDCAT, Los Angeles (2020); „Le Hanger” la Maison de Rendez-Vous, Bruxelles (2020); „Made in L.A. 2018”, Hammer Museum, Los Angeles; „A Modest Proposal” la Hauser & Wirth, New York (2016); și „Men in LA: Three Generations of Drawings: Naotaka Hiro, Paul McCarthy, and Benjamin Weissman” (2014) la The Box, Los Angeles; „New Abstracts: Recent Acquisitions”, LACMA (2022), Los Angeles; „Shadow Tracer: Works on Paper”, Aspen Art Museum, Aspen (2023); „Painting Paintings”, Museum of Modern Art, New York (2024).

Animație de scurtmetraj regizată de Maiho Takagi: „Mirosul primei iubiri” va fi lansată pe YouTube pe 20 mai

0

Studioul de animație renumit pentru producțiile sale de succes, cum ar fi „Your Name” și „Suzume no Tojimari”, Comix Wave Films (CWF), a anunțat recent lansarea unui nou scurtmetraj de animație intitulat „Mirosul primei iubiri”. Aceasta marchează debutul în regie al animatorului emergent Maiho Takagi, care a participat la numeroase proiecte de animație populare.

Scurtmetrajul „Mirosul primei iubiri” explorează o poveste dulce-amăruie despre amintirile primei iubiri evocate de mirosul unui fular. Muzica pentru acest scurtmetraj a fost compusă special de către Sakra Fujiwara, aducând un plus de emoție și profunzime narativă poveștii. Lansarea oficială va avea loc pe canalul oficial de YouTube al Sakrei Fujiwara pe 20 mai, la ora 00:00.

Conceptul și dezvoltarea animației

Proiectul a pornit cu ambiția de a captura farmecul coquet al personajelor feminine create de Takagi prin intermediul animației. „Mirosul primei iubiri” surprinde momentele de nostalgie ale unei tinere care își amintește de prima sa iubire prin mirosuri familiare din viața de zi cu zi.

Pentru a reda autenticitatea și emoția acestei povești, s-a considerat esențial să se colaboreze cu un artist a cărui voce putea să transmită aceleași nuanțe subtile. Astfel, Sakra Fujiwara a fost aleasă pentru a compune și interpreta melodia principală a scurtmetrajului, având în vedere aprecierea pe care Takagi o avea față de vocea ei unică.

Takagi și Fujiwara au colaborat îndeaproape, având numeroase întâlniri pentru a se asigura că atât muzica, cât și animația se îmbină perfect pentru a crea o experiență captivantă pentru spectatori. În procesul de producție, echipa a adoptat o abordare autonomă, caracteristică CWF, punând accent pe pasiunea și creativitatea fiecărui membru implicat.

Detalii despre animație

  • Regizor: Maiho Takagi
  • Muzică „Mirosul primei iubiri”: Sakra Fujiwara (versuri și muzică)
  • Producție animație: Comix Wave Films
  • URL pentru vizionare: YouTube (Premiera pe 20 mai 2024, ora 00:00, pe canalul oficial de YouTube al Sakrei Fujiwara)
『初恋のにおい』場面カット Ⓒ CWF / AMUSE / Tiny Jungle Records
『初恋のにおい』場面カット Ⓒ CWF / AMUSE / Tiny Jungle Records

Comentarii de la creatori

Maiho Takagi:

„Întotdeauna am dorit să redau într-o lucrare vocea efemeră, dar plină de caracter, a Sakrei. Datorită acestei piese, am reușit să creez o animație și o muzică mai strălucitoare decât mi-am imaginat. Sper ca această animație, alături de vocea Sakrei, să aducă alinare sufletului celor care o vizionează.”

Sakra Fujiwara:

„Personajele adorabile create de Takagi, cu expresiile lor schimbătoare și drăgălașe, merită îmbrățișate cu blândețe. Sper ca spectatorii să resimtă mirosul și căldura primei iubiri, chiar și atunci când amintirile acestea stârnesc durere.”

Despre creatori

Maiho Takagi:

Originar din prefectura Aichi, Takagi este un animator recunoscut pentru participarea sa la filme precum „Doraemon: Nobita’s Treasure Island” și „Weathering with You” (ilustrații originale). În filmul „Suzume no Tojimari”, Takagi a contribuit atât la ilustrații, cât și la crearea de props, iar pentru „Pokémon WCS2023 Animated CM: Can’t Wait to Meet You!” a fost responsabil de designul personajelor și regia animației.

Sakra Fujiwara:

Născută în 1995 în Fukuoka, Fujiwara este o cântăreață-compozitoare ale cărei activități diverse includ DJ-radio și actorie. Vocea sa unică și fumurie reușește să capteze atenția auditoriului, fiind una dintre cele mai distincte voci feminine din industria muzicală.

Comix Wave Films:

Pentru mai multe informații, vizitați site-ul oficial Comix Wave Films.

『初恋のにおい』場面カット Ⓒ CWF / AMUSE / Tiny Jungle Records
『初恋のにおい』場面カット Ⓒ CWF / AMUSE / Tiny Jungle Records

„Golden Kamuy”, un film japonez pe Netflix: aventuri în era Meiji

„Golden Kamuy” este un film regizat de Shigeaki Kubo, avându-i în rolurile principale pe Kento Yamazaki și Anna Yamada. Scenariul este scris de Tsutomu Kuwoira și este bazat pe manga faimoasă a lui Satoru Noda.

Vă doriți un film de aventuri japonez? „Golden Kamuy” are tot ce vă poate încânta dacă sunteți fani ai genului, fiind o poveste populară care a avut deja o serie de animație în 2018 și care acum se transformă într-un film.

Povestea lui Sugimoto „Nemuritorul” și a loialei sale însoțitoare, Asirpa, vă vor oferi momente de divertisment în teritorii neprimitoare, cu toată esența poveștilor japoneze: acțiune, legende și comori.

Golden Kamuy
Golden Kamuy

Argument

În timpul războiului ruso-japonez, un bărbat pe nume Sugimoto a supraviețuit masacrului de la bătălia de pe Colina 203. Acum, devenit veteran de război, supraviețuiește căutând aur în regiunea Hokkaido (Japonia). Un om îi povestește o legendă despre o hartă care duce la o enormă comoară de pepite de aur. Harta a fost fragmentată și tatuată pe corpurile mai multor deținuți care au evadat, trăind acum ca fugari.

În călătoria sa, Sugimoto întâlnește o fată Ainu (indigenii regiunii), abilă cu săgețile, care îl va ajuta în căutarea comorii.

„Golden Kamuy”: un clasic al filmelor de aventură

Scene cu încetinitorul, legende și multă acțiune într-un film despre căutarea unei comori, care îi va duce pe protagoniști să trăiască mii de aventuri și să întâlnească personaje pitorești: puteți imagina ceva mai clasic?

„Golden Kamuy” nu este un film de la Hollywood în ceea ce privește spectaculozitatea, dar reușește să transpune în imagini clasicul manga al lui Satoru Noda și să dea intensitate scenelor de acțiune, acoperite de zăpadă și emoție, cu un personaj care, în călătoria sa, se va descoperi și pe sine.

„Golden Kamuy” este un film foarte reușit în ceea ce privește atmosfera, personajele și acțiunea. Deși nu are un buget astronomic, reușește să distreze, să amuze pe alocuri și să emoționeze atunci când trebuie, purtându-ne în Japonia începutului de secol XX, plină de căutători de noroc și aventurieri. Filmul are un mare merit în reconstrucția orașelor și satelor din acea perioadă, în atmosfera creată și în capacitatea de a ne transporta într-o epocă aproape legendară.

Și, în plus, spune o poveste captivantă. O face cu un ritm agil și totodată calm, fără a părea grăbit. Oare sumarizează prea mult povestea manga-ului? Ne aventurăm să spunem că, pentru fani, probabil așa va fi, dar „Golden Kamuy” reușește să fie un film bun, să distreze și să ofere un timp relaxant plin de aventuri.

Opinia noastră

Un film captivant pentru a petrece această duminică și pentru a ne transporta într-o perioadă necunoscută pentru mulți, într-un ținut neprimitor. Un film plin de aventuri și pericole în căutarea unei comori.

Sperăm să vă placă!

Unde să vizionați „Golden Kamuy”

Netflix

Centru de Artă Seoul, Sala Doam: Aniversare de 1 An cu Concerte de Clasă Mondială

În pragul aniversării de 1 an, Centru de Artă Seoul, Sala Doam își deschide porțile pentru două seri de excepție, pe 30 și 31 mai, cu concerte care vor aduce în fața publicului stele de clasă mondială într-un spectacol intitulat „Fall in Ballet” și „Tchaikovsky Special”.

O Selecție de Stele Mondiale la „Fall in Ballet”

30일 Fall in Ballet 아르템 압차렌코, 안나 티호미로바, 필립스테핀, 마리아호레바, 다니엘하리토노프
30일 Fall in Ballet 아르템 압차렌코, 안나 티호미로바, 필립스테핀, 마리아호레바, 다니엘하리토노프

Pe 30 mai, la ora 19:30, iubitorii de balet vor putea asista la un spectacol unic, „Fall in Ballet”. Serata va aduce pe scenă artiști renumiți precum Artem Abcharenko, prim-balerin al Baletului Bolshoi, solista experimentată Anna Tihomirova, carismaticul Filip Stepan de la Baletul Mariinsky și Maria Horeva, cunoscută pentru prezența sa activă pe rețelele de socializare cu 650.000 de urmăritori.

Acești artiști de top, recunoscuți la nivel mondial pentru calitățile lor tehnice și artistice excepționale, vor interpreta piese celebre din repertoriul clasic și modern. Printre momentele de referință se numără fragmente din „Frumoasa Adormită” de Tchaikovsky, „Don Quijote” de Minkus și „Moartea lebedei” interpretată de Anna Tihomirova.

Pentru a completa spectacolul, Daniel Haritonov, o tânără stea a pianismului rus, va oferi interpretări solo ale unor piese memorabile precum Adagio din „Izvorul Limpede” de Shostakovich și „Dansul Sabiei” de Khachaturian.

„Tchaikovsky Special”: O Noapte Dedicată Maeștrilor

Pe 31 mai, la ora 19:30, Sala Doam va găzdui concertul „Tchaikovsky Special”, un omagiu adus marelui compozitor rus. Seara va debuta cu Concertul pentru Pian nr. 1, interpretat de Daniel Haritonov, urmat de Filip Stepan și Maria Horeva în Adagio din „Pas de Deux” din „Frumoasa Adormită”. Momentul culminant al serii va fi Simfonia nr. 6 „Patetica”, sub bagheta talentatului dirijor Lee Seungwon.

Orchestra Simfonică Gangnam va aduce la viață aceste capodopere, oferind o interpretare de excepție care promite să rămână în memoria publicului.

Un Spectacol Inedit, O Premieră Artistică

Acest spectacol de gală, organizat de Centru de Artă Seoul, Sala Doam (director So Young Joo) și Topstage (director Kim Jooil), promite să fie un reper în peisajul cultural al Coreei. Având în vedere nivelul ridicat al artiștilor selectați și programul atent gândit, evenimentul este așteptat să aibă un impact semnificativ asupra scenei de spectacole din țară.

Despre Topstage

Topstage este o companie de conținut care organizează spectacole de înaltă clasă cu artiști renumiți internațional și descoperă noi talente în muzica clasică. De asemenea, gestionează Prugeio Art Hall din Seul și a adus pe scenă spectacole remarcabile precum Russian Ballet Theatre și Moscow Ice Ballet. În 2024, pregătește un spectacol de gală de balet cu artiști de la Teatrul Bolshoi și Teatrul Mariinsky.

Pentru mai multe informații și pentru a rezerva bilete, vizitați site-ul nostru: Prugeio Art Hall.

31일 차이콥스키 스페셜 콘서트 지휘 이승원 협연 다니엘하리토노프 연주 강남심포니오케스트라 게스트 마리아호레바, 필립 스테핀
31일 차이콥스키 스페셜 콘서트 지휘 이승원 협연 다니엘하리토노프 연주 강남심포니오케스트라 게스트 마리아호레바, 필립 스테핀

Leonardo Drew: “Ubiquity” – Galerie Lelong & Co., Paris

Timp de peste trei decenii, Leonardo Drew s-a făcut remarcat prin crearea unor lucrări sculpturale abstracte contemplative, care se joacă cu tensiunea dintre ordine și haos. Monumentale și intime în același timp, lucrările sale amintesc de sculptura post-minimalistă, aludând la trecutul industrial al Americii de Nord. Drew transformă acumulările de materii prime precum lemnul, sticla, gipsul și bumbacul pentru a articula diferite teme ce se suprapun: natura ciclică a vieții și a decăderii, eroziunea și regenerarea naturii în timp. Suprafețele sale pulsează cu energie intrinsecă, cu o tensiune între structura formală a grilei și energia dezordonată a naturii, care este atât creație, cât și distrugere.

Cea de-a doua expoziție a lui Drew la Galerie Lelong, Paris, va evidenția o nouă instalație explozivă, adaptată spațiului, și o serie de lucrări „core” care includ sticlă și gips pictat. Fiecare material nou îi oferă lui Drew o nouă pânză de posibilități de reinventare și extindere, iar în același timp, reciclarea materialelor le conferă acestora noi energii și semnificații. Drew a adaptat instalația explozivă la spațiul galeriei, reflectând mediul istoric din secolul al XVIII-lea al Galerie Lelong. „Adaptabilitatea lucrării este viața lucrării”, spune Drew, iar relația și reinvenția sculpturii în raport cu spațiul reprezintă o provocare pe care o acceptă.

Cele mai recente expoziții solo ale lui Drew au avut loc la Yorkshire Sculpture Park (2023) și la Amon Carter Museum (2023-2024). Lucrările sale au fost expuse internațional și sunt incluse în numeroase colecții publice, printre care: Baltimore Museum of Art; Metropolitan Museum of Art, New York; The Museum of Modern Art, New York; Crystal Bridges Museum, Bentonville; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; și Tate, Londra.

Leonardo Drew s-a născut în 1961 în Tallahassee, Florida, și a crescut în Bridgeport, Connecticut. În prezent, locuiește și lucrează în Brooklyn, New York și San Antonio, Texas.

Leonardo Drew
Leonardo Drew Number 402, 2024 Wood, plaster, paint and sand, 183 × 183 cm © Leonardo Drew. Courtesy Galerie Lelong & Co.