Cecily Brown și întrebarea timpului: de ce pictura contează în continuare

Într-o cultură definită de viteză și reproducere digitală, pictura poate părea aproape sfidătoare prin insistența ei asupra duratei. Revenirea lui Cecily Brown la Londra aduce în prim-plan această atitudine, poziționându-i opera într-o reflecție mai largă asupra timpului, memoriei și relevanței continue a culorii ca mediu fizic și reflexiv.

Brown este asociată de mult timp cu un tip de abstracție figurativă în care corpuri și peisaje apar, se dizolvă și reapar în suprafețe dense și energice. Pânzele sale sunt neliniștite. Tușele se ciocnesc, se estompează și se acumulează; perspectiva se prăbușește; figurile sunt doar întrezărite, nu afirmate clar. Actul privirii devine activ, chiar incert.

La Serpentine South, lucrări noi sunt prezentate alături de picturi din începutul anilor 2000, permițând publicului să urmărească continuitatea anumitor motive. Iubiți îmbrățișați în decoruri împădurite, figuri pe jumătate scufundate în peisaje acvatice și scene aflate între idilă pastorală și tensiune erotică revin de-a lungul deceniilor. Repetiția nu este nostalgică. Ea sugerează mai degrabă o testare a imaginilor, ca și cum fiecare revenire ar încerca să descopere cât de departe poate fi întins un motiv înainte de a se fractura.

S‑ar putea să‑ți placă șiBonhams prezintă ultimele capodopere din colecția de bastoane Eddi Van Auken

Natura, în mâinile lui Brown, nu este niciodată pur descriptivă. Expoziția face trimitere la contextul specific al Kensington Gardens, unde se află galeria, însă parcul funcționează mai degrabă ca un peisaj mental decât ca o locație concretă. Picturile lui Brown au estompat de mult granița dintre corpul uman și mediul înconjurător. Carnea și frunzișul se contopesc; membrele evocă ramuri; apa înghite contururile. Rezultatul este o fuziune neliniștitoare în care dorința și mediul devin inseparabile.

Acest joc dintre imagine și suprafață este esențial pentru practica lui Brown. Artista a descris adesea pictura ca pe un proces fizic ghidat de mediul însuși. În pânze recente precum Froggy would a-wooing go și Little Miss Muffet, realizate în 2024–2025, referințele la rimele pentru copii apar doar pentru a fi perturbate de straturi groase de culoare. Mici figuri inspirate din imaginarul feeric victorian pâlpâie la limita lizibilului. Narațiunea, dacă există, este subminată.

În alte lucrări mai vechi, precum Bacchanal, Couple și Teenage Wildlife, este evidențiată senzualitatea picturii ca substanță. Corpurile se apropie unul de altul, însă contururile lor sunt instabile, uneori imposibil de distins de terenul din jur. Interesul de lungă durată al lui Brown pentru erotism este filtrat printr-un limbaj pictural care oscilează între revelare și ascundere. Suprafețele devin spații ale tensiunii: ceea ce este arătat se află mereu pe punctul de a fi reabsorbit în abstracție.

Expoziția include și desene și monotipii care indică amploarea referințelor vizuale ale artistei. Literatura pentru copii, în special universurile create de Beatrix Potter și de Kathleen Hale în Orlando the Marmalade Cat, este prezentă alături de ilustrații clasice Ladybird. Animalele apar ca substituenți ai comportamentului uman, evocând ambiguitățile morale ale basmelor și poveștilor cu tâlc. Dulceața aparentă a acestor surse este contrabalansată de un substrat mai întunecat. Inocența nu este niciodată pe deplin sigură.

Biografia lui Brown este adesea prezentată ca o poveste transatlantică. Născută la Londra în 1969, formată la Slade School of Fine Art, s-a mutat la New York în 1994 după o perioadă formativă la New York Studio School. Dimensiunea orașului și tradițiile sale picturale s-au dovedit decisive. De-a lungul a trei decenii, artista a dezvoltat o practică aflată în dialog atât cu Willem de Kooning și Francis Bacon, cât și cu pictura narativă și ilustrația britanică.

Totuși, expoziția din Londra evită ideea simplă a unei întoarceri acasă. În schimb, ea plasează opera lui Brown într-o istorie mai amplă a picturii ca spațiu al revenirii și revizuirii. Recurența anumitor compoziții — inclusiv un grup recent de lucrări „nature walk”, inspirate de imaginea unui trunchi căzut care face legătura peste un râu — subliniază convingerea sa că variația este o metodă. Prin modificarea scării, paletei și formatului, artista tratează pictura ca pe o investigație continuă, nu ca pe o afirmație definitivă.

Lecturi recomandateNoua Bucătărie Nordică: Fenomenul Cultural Explorat la Muzeul Național din Oslo

Această investigație pare deosebit de relevantă astăzi. Într-un moment cultural dominat de circulația digitală și reproducerea instantanee, pânzele lui Brown insistă asupra prezenței fizice. Ele cer privitorilor să stea în fața lor, să-și ajusteze focalizarea și să permită formelor să se coaguleze în timp. Sensul nu este livrat; el este negociat.

Angajamentul de lungă durată al Serpentine pentru acces public gratuit amplifică această dinamică. Situată într-un parc regal, galeria funcționează la intersecția dintre loisir și contemplare. Interesul lui Brown pentru viața din parc — cupluri care se plimbă, figuri rătăcind pe alei împădurite — reflectă ritmurile mediului exterior. Granița dintre artă și natură devine permeabilă.

În cele din urmă, Picture Making este mai puțin despre ilustrarea unor povești și mai mult despre testarea durabilității picturii în sine. Suprafețele lui Brown înregistrează gesturile realizării lor; ele sunt documente ale timpului, ezitării și revizuirii. Astfel, reafirmă capacitatea picturii de a conține complexitatea fără a o rezolva.

Pe măsură ce dezbaterile despre viitorul acestui mediu continuă, expoziția lui Brown sugerează că relevanța picturii nu constă în noutate, ci în persistență. Revenind la imagini familiare și permițându-le să se transforme de-a lungul anilor, artista se înscrie într-o tradiție în care repetiția devine o formă de gândire. În spațiul stratificat dintre figură și abstracție, dintre memorie și imediat, pictura rămâne un mod de a vedea care refuză să dispară.

Mai multe articole similare

Amy Sillman’s „Oh, Clock!” va debuta la Kunstmuseum Bern

Pierdut în grădină: Sculpturile lui KIM Byoungho la ARARIO GALLERY SEOUL

Expoziția “Madonna dei Femminelə” a lui John Paul Morabito la Muzeul KSU

Igshaan Adams prezintă „Weerhoud” la ARoS Aarhus Art Museum

Masato Mori: HIGORO NO OKONAI – Nanzuka Underground, Tokyo

Tate St Ives va prezenta o expoziție majoră a artistei Emilija Škarnulytė