Arta coreeană și japoneză privește înăuntru la târgul ART OnO din Seul

ARARIO GALLERY reunește unsprezece artiști coreeni și japonezi la SETEC din Seul pentru ART OnO 2026 — nu o vitrină comercială, ci o teză precisă despre ceea ce arta contemporană din nord-estul Asiei caută să spună acum.

Există o calitate a retragerii în lucrările pe care ARARIO GALLERY le-a adunat la Booth 101. Nu fugă — retragere ca metodă artistică. Picturile, sculpturile și instalațiile acestei prezentări împărtășesc un refuz de a se desfășura spre exterior. Comprimă. Se întorc spre sine, spre memorie, spre anxietatea abia perceptibilă care operează sub suprafața experienței ordinare. Pentru un public român format în tradiția care merge de la Nicolae Grigorescu la Ion Țuculescu — de la peisajul ca interioritate psihică până la vizionarismul materiei încărcate cu simboluri — această postură nu este străină. Dar vine aici dintr-un spațiu cultural radical diferit, și tocmai aceasta îi conferă forța particulară.

SIM Raejung face din această postură o structură: singurătate, neputință, conflictul dintre instinct și normă socială, traduse în pictură și instalație cu imagini care destabilizează fără să se justifice. KANG Cheolgyu, a cărui expoziție personală la ARARIO GALLERY SEOUL va deschide în mai 2026, lucrează prin ceea ce el însuși numește proiecție — dorință personală și istorie emoțională traduse în lumi fictive, autobiografia simțirii mai degrabă decât a evenimentului. Împreună, ei enunță teza booth-ului înainte ca oricare altă lucrare să se facă vizibilă.

S‑ar putea să‑ți placă șiExpoziția lui Euridice Zaituna Kala la Galeria Anne Barrault

Teza se adâncește prin trei registre suplimentare. KOO Jiyoon, AN Gyungsu și Kohei YAMADA — născuți în 1982, 1975 și respectiv 1997 — abordează fiecare peisajul, dar nicio versiune a peisajului de aici nu este consolatoare sau panoramică. KOO citește orașele prin suprafețele lor îmbătrânite și straturile lor temporale — clădirile ca timp psihic acumulat, o lectură care rezonează în spațiul cultural românesc cu tradiția picturii urbane ce a văzut întotdeauna arhitectura ca depozit al memoriei colective, de la interbelicul bucureștean până la melancolia post-industrială a orașului contemporan. AN Gyungsu își găsește motivele la marginile spațiului urban, în materiale și locuri aparent uitate, descoperind în acea periferie o sensibilitate plutitoare și dezrădăcinată. Lucrarea sa expusă Euseuseu (2025) captează textura rocii costiere cu o precizie aproape fotografică pe care acrilicul o atinge rareori — o suprafață simultan geologică și psihologică. YAMADA, cel mai tânăr artist al prezentării, traversează granița dintre oraș și natură prin planuri de culoare geometrice și o reținere compozițională care face vizibilă, într-un limbaj abstract, relația dintre mediu și percepția umană.

LEE Eunsil, LIM Nosik și CHA Hyeonwook ocupă registrul intermediar — memorie și experiență personală, dar cu o precizie care se apropie mai mult de arheologia sinelui decât de nostalgie. LEE lucrează în tensiunea dintre dorință și constrângere socială. LIM Nosik prezintă imagini fragmentate ale sinelui, subiectul văzut prin obstacol sau distanță, niciodată pe deplin lizibil. Practica lui CHA Hyeonwook este poate cea mai singular materială din întreaga prezentare: tuşe de pensulă uscată repetate pe hanji, hârtia tradițională coreeană, stratificate cu pigmenți minerali — fragmente de memorie care se acumulează în suprafață, mâna însăși ca act de rememorare. Lucrarea sa Seen via Day Moon (2026) este vizual extraordinară: un peisaj de formațiuni stâncoase fantastice și corpuri cerești unde materia tradițională coreeană și imaginația cosmologică intră în coliziune cu ceva întru totul contemporan. Întrebarea despre legătura dintre gest, materie și semnificație găsește aici un ecou neașteptat cu tradiția românească a picturii care a înțeles întotdeauna suportul ca câmp al memoriei — de la textura pânzelor lui Țuculescu până la investigațiile materice ale generației ’80.

Al patrulea registru — NOH Sangho, GWON Osang, Kohei NAWA — este acolo unde prezentarea se confruntă cel mai direct cu limbajul artei contemporane ca disciplină în expansiune. NOH Sangho utilizează imagini online și imagini generate de inteligență artificială ca materiale în picturi în ulei pe pânză: lucrarea sa HOLY (2026) este simultan devoțională și destabilizată — sfinți și războinici asamblați din potopul de imagini al internetului, o pictură care pune întrebarea ce înseamnă să pictezi când sursele sunt algoritmice. Această interogație capătă o rezonanță aparte într-un spațiu cultural care, după decenii de izolare și apoi de deschidere bruscă spre fluxurile globale de imagini, cunoaște din interior tensiunea dintre imaginea produsă ideologic și imaginea eliberată. GWON Osang chestionează de decenii identitatea sculpturii din interior, producând lucrări care traversează fotograficul și tridimensionalul fără să se stabilească în niciunul dintre ele. Kohei NAWA — figura cea mai recunoscută internațional a booth-ului — lucrează cu materia și suprafața prin sculptură, instalație și media diverse. Lucrarea sa PixCell-Random (Cloud) #09 (2026) continuă lunga sa investigație despre cum percepția este mediată de obiectele interpuse între privitor și imagine: sfere de sticlă aplicate pe un substrat fotografic într-un cadru de lemn, care par să pixeleze un nor, refractându-l în ceva simultan digital și tactil.

Cuplul Coreea-Japonia poartă o greutate pe care comunicatul de presă nu o numește direct. Relația culturală dintre aceste două țări este printre cele mai complexe din Asia de Est — istorie colonială, schimb estetic, tensiune persistentă și influență reciprocă autentică operând simultan. A plasa pe Kohei NAWA și Kohei YAMADA alături de nouă artiști coreeni într-un booth de târg de artă la Seul nu este un gest neutru. Propune — discret, dar clar — că preocupări estetice comune constituie un limbaj artistic regional care depășește granițele naționale. România, a cărei cultură artistică a navigat întotdeauna între influențe multiple — occidentale, orientale, bizantine, moderniste — și care cunoaște din proprie experiență cât de fertil poate fi dialogul dintre tradiții aparent ireconciliabile, este un martor deosebit de atent al acestei propuneri.

Seulul și-a consolidat în ultimii ani poziția de capitală mondială a artei, în parte prin credibilitatea instituțională generată de sosirea Frieze Seoul, în parte prin creșterea extraordinară a colecționismului coreean — un fenomen acum pe deplin vizibil în marile case de licitații și în galeriile europene care și-au îndreptat tot mai mult atenția spre Asia de Est. ART OnO operează în interiorul acestui ecosistem extins — nu la capătul său cel mai vizibil pe plan internațional, ci în infrastructura portantă care menține funcțional un market al artei serios.

Ceea ce prezentarea ARARIO GALLERY la ART OnO 2026 oferă în ultimă instanță este un contraponderal — la narațiunea artei contemporane coreene ca spectacol global. Unsprezece artiști, două țări, o orientare comună: nu spre lume, ci spre arhitectura interioară a faptului de a fi în ea. Într-o piață care a recompensat uneori vizibilitatea mai presus de orice altceva, acest booth pledează cu precizie pentru profunzime — și amintește că arta cea mai durabilă este întotdeauna cea care refuză să se lase văzută în întregime.

Mai multe articole similare

„land marks” la Pace Gallery reunește 17 artiști într-un dialog despre identitate, spațiu și loc

Expoziția „Playing with Light” aduce în prim-plan arta inovatoare a lui Danielle Frankenthal

Alisan Fine Arts New York Prezintă Trei Artiști din California: Conectând Simboluri Istorice cu Realități Contemporane

O nouă perspectivă asupra artei moderne la Galeria Arthur Ross

La MIT List Visual Arts Center, „Flare-Up” de Goldin+Senneby transformă imunitatea într-o cheie de lectură pentru ecologie și putere

Tate Britain Dezvăluie GRACE, o Nouă Comisie Majoră de Alvaro Barrington