În lumea uneori suprasaturată a filmelor muzical, puține producții poartă o responsabilitate atât de mare precum această adaptare a operei lui Gregory Maguire și Stephen Schwartz. Ceea ce a început ca o reinterpretare literară a celui mai faimos personaj negativ al Americii a devenit, după decenii de succes, mai mult decât divertisment: este o conversație despre moralitate, faimă și cât de corozivă poate fi puterea.
Dacă primul film ne-a invitat să sfidăm gravitația, această concluzie promite ceva mai pământesc și visceral: o explorare definitivă a ceea ce înseamnă să fii schimbat pentru totdeauna. Cunoscut sub titlul Vrăjitoarele: Destinul (în original Wicked: For Good), filmul nu este o simplă continuare menită să lege firele narative. Este împlinirea unei promisiuni narative care a avut nevoie de ani pentru a ajunge pe marele ecran la scara pe care o merită. Scufundându-ne în această producție, descoperim un ecosistem fascinant în care prietenia feminină, integritatea artistică și curiozitățile legale ale vechiului Hollywood se intersectează pentru a redefine, încă o dată, drumul de cărămizi galbene.
Semantica adio-ului: De la „For Good” la „Partea II”
În timpul producției, proiectul era cunoscut pur și simplu ca a doua parte. Cu toate acestea, regizorul Jon M. Chu și echipa sa au decis să-l redenumească în engleză Wicked: For Good. Deși pe piețele vorbitoare de limbă română vom păstra un titlu mai direct, merită să ne oprim asupra intenției originale a creatorilor, deoarece este o declarație de principii.
Titlul original nu a fost un capriciu de marketing. For Good face referire directă la unul dintre cele mai iconice și lacrimogene duete din teatrul muzical: cântecul de adio dintre protagoniste. În plus, este un joc de cuvinte intraductibil care îmbogățește subtextul: în engleză, for good înseamnă atât „pentru totdeauna” (o schimbare ireversibilă), cât și „spre bine” (o intenție binevoitoare). Deși noi o numim Partea II (sau Destinul), filmul caută să fie o entitate cu identitate proprie, o experiență care se susține singură și care promite să lase o amprentă de neșters, indiferent de cum o numim pe afiș.
Chimia alchimică: Cynthia și Ariana
Dacă există o inimă care bate sub efectele vizuale și costume, aceasta este conexiunea electrică dintre Cynthia Erivo (Elphaba) și Ariana Grande (Glinda). Filmul depinde de autenticitatea legăturii lor. Din fericire, ceea ce s-a întâmplat pe platou a depășit ficțiunea: au legat o frăție care a devenit motorul întregii filmări.
Vulnerabilitate și Voce Live
Cynthia Erivo a descris lucrul cu Grande ca pe o „stradă cu dublu sens”, bazată pe generozitate. Nu au existat repetiții forțate pentru a crea chimie; „clicul” a fost instantaneu. Erivo povestește cum Ariana o vizita acasă înainte de filmări doar pentru a vorbi despre viață, creând acea bază de încredere necesară pentru ceea ce urma.
Și acea încredere era vitală. Spre deosebire de aproape toate musicalurile moderne, unde se face playback peste piese înregistrate în studio, regizorul a insistat asupra unei autenticități radicale: cântatul live pe platou. Erivo explică faptul că a cânta este un act extrem de vulnerabil, un salt în gol fără plasa de siguranță a post-producției. Pentru a reuși, au făcut un pact: să aibă grijă una de cealaltă și să protejeze spațiul creativ al celeilalte.
Acest lucru transformă ceea ce vedem pe ecran. Când personajele se luptă să respire sau se frâng emoțional, vocile lor reflectă acel efort fizic real. Ariana Grande, faimoasă pentru precizia ei pop, și-a permis imperfecțiunea, lăsându-și vocea să tremure sau să se rupă dacă momentul o cerea.
Greutatea Emoțională a Despărțirii
Punctul culminant al acestei colaborări a venit la filmarea numărului muzical „For Good”. Potrivit relatărilor, nu a fost o zi obișnuită de filmare; a fost un catharsis. Grande a mărturisit că plângeau aproape zilnic din cauza intensității poveștii, dar acel cântec a fost devastator.
În momentul în care au filmat acea scenă, nu mai jucau. Trăiseră evoluția personajelor lor și înțelegeau profund ce lăsau în urmă. Nu era doar tehnică vocală; era rezultatul lunilor de creștere împărtășită. Echipa tehnică, de obicei destul de stoică, a sfârșit cu lacrimi în ochi. Pentru a sigila acest lucru, actrițele și-au făcut tatuaje asortate pe mâini: un mac și fraza „For Good”. Un memento permanent că, așa cum spune cântecul, s-au schimbat în bine una datorită celeilalte.
Râsete printre Lacrimi
Dar nu totul a fost o dramă. Platoul a avut parte și de multă umanitate și momente amuzante. O anecdotă grozavă implică faimoasa rochie cu bule a Glindei și o sticlă de parfum care a scos un sunet scârțâit în mijlocul unei duble, provocând un atac de râs Arianei care i-a molipsit pe toți. Sau Jonathan Bailey (prințul Fiyero), care într-o scenă de maximă tensiune romantică a avut un „incident cu o floare” care a distrus dubla, dar a relaxat atmosfera. Acea prietenie virală se observă chiar și în interviuri, unde un simplu gest al Arianei ținând mâna Cynthiei devine un meme de sprijin emoțional.
Un Oz Mai Întunecat și Realist
Vizual, Vrăjitoarele: Destinul se îndepărtează de strălucirea saturată a fanteziei clasice pentru a intra pe un tărâm mai sumbru și matur. Jon M. Chu a fost clar: dacă prima parte a fost despre uimire și descoperire, aceasta este despre consecințe și rezistență.
Influența Distopiei
Chu citează influențe precum The Truman Show pentru a explica această schimbare. Oz încetează să mai fie un paradis pentru a se dezvălui ca un stat polițienesc în care propaganda dictează. Estetica reflectă această trezire: pe măsură ce personajele văd adevărul din spatele Vrăjitorului, strălucirea artificială dispare. Decorurile au fost concepute pentru a fi „la un pas de nebunie”, amestecând frumusețea Art Nouveau cu o senzație de greutate și realitate opresivă.
Magie Tangibilă
Într-o eră a ecranelor verzi, aici s-a mizat pe tangibil. Au fost plantați mii de lalele reale și au fost construite decoruri fizice masive. Ideea este de a ancora magia în fizic; când Elphaba zboară, mediul reacționează cu adevărat. Cynthia Erivo și-a realizat multe dintre propriile cascadorii, inclusiv o secvență de evadare folosind un sistem de scripeți care a necesitat forță fizică pură. Magia aici are un cost și un efort vizibil.
Enigma lui Dorothy și a Pantofilor de Argint
Aici intervine un detaliu fascinant pentru cinefili: filmul gestionează conexiunea cu Vrăjitorul din Oz (1939) și romanul original cu multă inteligență și respect pentru drepturile de autor.
Întoarcerea la Originea Literară
Dacă vă așteptați să vedeți faimoșii pantofi de rubin, veți avea o surpriză: sunt argintii. Nu este o greșeală, este o corecție istorică și o necesitate legală. În romanul din 1900, pantofii erau de argint. Filmul MGM din 1939 i-a schimbat în roșii pentru a scoate în evidență tehnologia Technicolor. Deoarece „pantofii de rubin” sunt proprietatea Warner Bros. (iar acesta este un film Universal), nu puteau fi folosiți.
Dar echipa a transformat această limitare într-o virtute. Folosind pantofii de argint, se aliniază cu cartea și musicalul de pe Broadway. Mai mult, în intriga din Vrăjitoarele: Destinul, acești pantofi sunt o moștenire de familie de la mama Elphabei și a Nessarosei, oferindu-le o încărcătură emoțională care depășește simplul obiect magic.
Fetița Fără Chip
O altă decizie îndrăzneață este modul în care o tratează pe Dorothy. Deși ea declanșează finalul poveștii, filmul o menține ca pe o figură periferică, aproape „fără chip”. Nu îi vom vedea prim-planurile sau călătoria interioară. Camera este loială Elphabei și Glindei. Arătând-o pe Dorothy din spate sau de la distanță, filmul protejează imaginea iconică pe care o avem despre ea, dar subliniază că această poveste nu îi aparține. Este o decizie elegantă: de data aceasta, microfonul îl are vrăjitoarea, nu fetița care a ucis-o.
Sunete Noi pentru o Lume Veche
Stephen Schwartz, compozitorul original, s-a întors pentru a extinde universul sonor, asigurându-se că saltul la cinema își justifică existența cu material nou.
„The Girl in the Bubble” și „No Place Like Home”
Au fost adăugate două cântece noi care nu sunt în piesa de teatru. „The Girl in the Bubble” (Fata din bulă), interpretată de Ariana Grande, explorează singurătatea celebrității. În timp ce Ozul o adoră, cântecul arată izolarea de a trăi într-o bulă de perfecțiune, incapabilă să se conecteze cu adevărat.
„No Place Like Home” (Nicăieri nu-i ca acasă), cântat de Cynthia Erivo. Titlul este o ironie strălucitoare la adresa faimoasei replici a lui Dorothy. În gura Elphabei, vorbește despre durerea exilului și despre neapartenența la propria ta țară. Nu sunt de umplutură; cinematograful permite o apropiere de tăceri și introspecție într-un mod pe care teatrul uneori nu îl permite, iar aceste cântece umplu acele spații emoționale.
O Distribuție de Lux
Dincolo de protagoniste, distribuția secundară aduce nuanțe cruciale. Michelle Yeoh (Madame Morrible) devine mai sinistră, folosind meteorologia ca armă politică. Jeff Goldblum (Vrăjitorul) ne oferă un amestec de carismă și patetism, arătând un bărbat mediocru terorizat de pierderea puterii. Jonathan Bailey (Fiyero) completează triunghiul emoțional cu o transformare tragică ce se leagă dureros de mitologia Sperietorii de Ciori. Iar Ethan Slater (Boq) are un arc narativ care plantează semințele viitorului său ca Omul de Tinichea, cu detalii subtile precum ușurința cu care plânge, prevestindu-i destinul ruginit.
Intriga: De la Faimă la Exil
Vrăjitoarele: Destinul reia acțiunea exact de unde a rămas filmul anterior, dar totul s-a schimbat. Elphaba trăiește în exil, demonizată ca „Vrăjitoarea cea Rea”, luptând din umbră. Glinda, în schimb, este simbolul strălucitor al regimului din Orașul de Smarald, pregătindu-se pentru nunta ei cu Fiyero, dar prinsă într-o colivie de aur concepută de Morrible pentru a distrage masele.
Conflictul izbucnește atunci când Glinda încearcă să negocieze o pace imposibilă între prietena ei și Vrăjitor. Este o narațiune care explorează costul personal al activismului în fața prețului moral al complicității.
O regenerare celebrată și imaginativă a Lumii din Oz
Ceea ce face Vrăjitoarele: Destinul atât de intrigant nu este doar cum se termină – un final pe care aproape toți îl știm din cultura generală – ci cum resemnifică începutul. La sosirea genericului de final, promisiunea este că nu ne vom mai uita niciodată la Vrăjitorul din Oz la fel. Vrăjitoarea cea rea nu mai este un monstru plat, ci o activistă tragică; vrăjitoarea cea bună nu este o salvatoare imaculată, ci o supraviețuitoare politică ce și-a sacrificat adevărul pentru a menține pacea.
Producția a fost meticuloasă pentru a nu trăda spiritul operei, dar suficient de curajoasă pentru a-l extinde. De la împărțirea poveștii în două pentru a nu sacrifica dezvoltarea, până la cerința de a cânta live pentru a captura emoția brută. Este un proiect care onorează Broadway-ul, dar folosește cinematografia pentru a merge mai departe.
Călătoria a fost lungă, depășind greve și ani de dezvoltare. Dar așteptarea se încheie. Vrăjitoarele: Destinul ajunge în cinematografele din Statele Unite pe 21 noiembrie, cu o lansare eșalonată la nivel internațional. E timpul să zburăm, nu pe mături, ci într-o poveste care ne amintește că, uneori, pentru a face binele, trebuie să fii dispus să fii numit rău.
