Pentru regizorul Guillermo del Toro, Frankenstein nu este doar un alt film din portofoliul său; este punctul culminant al unei călătorii care i-a definit existența și arta. Este o obsesie pe care a cultivat-o mai bine de o jumătate de secol, o poveste ale cărei fire s-au țesut în ADN-ul fiecăreia dintre operele sale anterioare. „I-am dedicat peste 50 de ani din viața mea”, a afirmat cineastul, subliniind legătura personală profundă care îl unește de mitul lui Mary Shelley. Această devotament nu este o hiperbolă. Del Toro susține că elementele acestei narațiuni fundamentale sunt prezente în toate cele 13 filme ale sale, menționând aclamatul său Pinocchio, de Guillermo del Toro ca fiind povestea „unui alt tată risipitor care cere iertare fiului său”, un ecou direct al legăturii tragice dintre Victor Frankenstein și creația sa.
Fascinația regizorului a început în copilărie, o întâlnire formatoare la vârsta de șapte ani cu filmul emblematic al lui James Whale din 1931, cu Boris Karloff în rolul principal. Acest prim impact vizual s-a consolidat și aprofundat la unsprezece ani, când a citit romanul original din 1818. De atunci, Creatura a devenit o figură aproape totemică în panteonul său personal, o ființă pe care o consideră aproape o divinitate, o figură mesianică a cărei umbră se proiectează asupra întregii sale vieți și opere. Această relație simbiotică dintre artist și monstru transcende cinematograful pentru a deveni o cheie autobiografică. Del Toro a vorbit despre propria copilărie în Guadalajara, Mexic, descriindu-se ca o „creatură ciudată și palidă căreia îi plăcea să citească”, un copil ipohondru care la șapte ani studia manuale de medicină convins că suferă de boli terminale. În monștrii clasici precum cel al lui Karloff, Godzilla sau Creatura din Laguna Neagră, a găsit o validare pe care lumea convențională i-o refuza. „Monștrii îți spun: uite, e în regulă să fii tu. E în regulă să fii imperfect”, explică el. Fiecare dintre filmele sale, populate de fauni, oameni amfibieni sau marionete de lemn, a fost o explorare a acestei acceptări a imperfecțiunii, dar Frankenstein reprezintă expresia cea mai pură și directă a acestei teme centrale din viața sa.
Materializarea acestei obsesii nu s-a limitat la planul intelectual sau cinematografic; a luat o formă fizică și tangibilă. În celebra sa „Bleak House”, un sanctuar personal dedicat artei și inspirațiilor sale, del Toro are o cameră dedicată exclusiv lui Frankenstein, pe care o numește „camera de zi”. În acest spațiu, înconjurat de figurine și obiecte legate de mit, el scrie, cercetează și proiectează. Acest proces creativ, în care un creator se izolează pentru a da formă materială unei idei care îl consumă, reflectă în mod uimitor însăși narațiunea romanului. Filmul, prin urmare, nu este doar rezultatul unui proces artistic, ci un ecou tematic al poveștii pe care o spune: cea a unui creator solitar care dă viață fixației care i-a dominat mintea timp de decenii.
Mai multe Artilces
Viziunea filosofică – Reinterpretarea mitului „Prometeului modern”
Abordarea lui Guillermo del Toro asupra operei lui Mary Shelley se îndepărtează în mod deliberat de convențiile filmului de groază pentru a pătrunde pe tărâmul tragediei existențiale. Pentru el, romanul este o operă de o profundă complexitate filosofică, „mai apropiată de Paradisul pierdut al lui John Milton” decât de o simplă poveste de groază. El o descrie ca pe o „examinare emoționantă a ceea ce ne face umani și a durerii de a fi în viață”, o explorare a întrebărilor fundamentale care au măcinat omenirea dintotdeauna. Ideea centrală de „a te naște într-o lume și o existență pe care nu le-ai cerut” rezonează cu el într-un mod profund personal, conectându-se cu spiritul autoarei însăși, pe care o descrie ca pe o „adolescentă plină de întrebări, furie și rebeliune”, ale cărei neliniști sunt încă ale noastre.
Atracția sa pentru poveste este înrădăcinată în mișcarea romantică a secolului al XIX-lea, o perioadă pe care o admiră pentru „simțul existențial al frumuseții în oroare”. Del Toro creează propria definiție pentru această sensibilitate, numind-o „poezie de cimitir”, o expresie care încapsulează uniunea dintre macabru și liric, frumusețea care poate fi găsită în melancolie și tragedie. Această abordare inversează formula tradițională a genului. El nu folosește frumusețea pentru a face oroarea tolerabilă; în schimb, găsește o frumusețe intrinsecă în interiorul ororii însăși. Filmul, prin urmare, folosește structura gotică nu în primul rând pentru a speria, ci pentru a induce o stare de melancolie sublimă, invitând spectatorul să contemple frumusețea în imperfecțiune, durere și singurătate existențială. Acest sentiment este întărit de coloana sonoră a compozitorului Alexandre Desplat, care a căutat să articuleze „emoțiile magnifice” ale Creaturii, ajungând chiar să pună pe muzică scena macabră a creației ca pe un „vals”, capturând „transa creativă” a lui Victor în locul ororii actului.
Această viziune filosofică stă și la baza conceptului său despre ce înseamnă adaptarea unei opere literare pentru cinema. Del Toro nu caută o fidelitate literală, ci o fidelitate tematică, o transmutare a spiritului romanului în limbajul cinematografic. El folosește două metafore puternice pentru a descrie acest proces: a adapta este ca și cum „te-ai căsători cu o văduvă” și ca un „pește care trebuie să se adapteze la uscat; […] trebuie să-i crească plămâni”. Ambele imagini sugerează că opera originală trebuie respectată în esența ei, dar necesită o transformare fundamentală pentru a supraviețui și a prospera într-un mediu complet diferit. Această filosofie justifică inovațiile narative pe care le introduce, cum ar fi extinderea relației dintre creator și creație. Aceste schimbări nu sunt trădări ale textului, ci „plămânii” necesari pentru ca temele centrale ale lui Shelley să poată „respira” pe ecran. Filmul se prezintă, așadar, nu ca o transcriere a cărții, ci ca o întruchipare a ideilor sale cele mai profunde, filtrate prin sensibilitatea unică a regizorului său.
Inima filmului – Tragedia unui tată și a unui fiu
Inovația narativă cea mai semnificativă și personală a lui Guillermo del Toro este reorientarea relației dintre Victor Frankenstein și creația sa, transformând-o în dinamica fracturată dintre un tată rece și un fiu sensibil. În timp ce în romanul lui Mary Shelley, Victor fuge îngrozit aproape imediat după ce Creatura deschide ochii, filmul introduce o deviere crucială. Se adaugă „o întreagă relație infantilă care are loc, care începe destul de frumos și se destramă”, stabilind o legătură inițială care face ca abandonul ulterior să fie și mai devastator. Această decizie mută nucleul conflictului de la aroganța științifică la eșecul patern, transformând povestea într-o dramă de familie de proporții epice și gotice.
Del Toro subliniază că această temă are rădăcini adânci în propria sa moștenire culturală. „În cultura catolică latină, acest lucru este foarte greu”, explică el. „Pentru mine, este vorba foarte mult despre povești despre tați și fii. A spune ‘în numele tatălui’ este nașterea a totul într-un cămin latin.” Această perspectivă impregnează întregul film, explorând teme precum responsabilitatea, rușinea și nevoia disperată de recunoaștere. Oscar Isaac, care îl interpretează pe Victor, își amintește că a vorbit pe larg cu regizorul despre „modul în care poți trata copiii ca pe o extensie a ta, ca pe ceva de care să fii mândru sau de care să-ți fie rușine”. Păcatul lui Victor, în această versiune, nu este pur și simplu acela de a se juca de-a Dumnezeu, ci un eșec fundamental ca tată. Motivația sa pentru creație este adânc înrădăcinată în propria traumă familială: un resentiment față de tatăl său strict, Leopold (interpretat de Charles Dance), care îl favoriza în mod deschis pe fratele său mai mic, William. Victor nu creează pentru progresul științei, ci pentru a-și valida propriul ego rănit, pentru „a-și dovedi geniul”. Creatura, în concepția sa, este un act de narcisism, un trofeu menit să-i demonstreze valoarea. Respingerea sa ulterioară nu este doar oroare față de monstruos, ci rușinea unui tată al cărui „fiu” nu îndeplinește așteptările sale de perfecțiune.
Din perspectiva Creaturii, această relație reprezintă totalitatea existenței sale. Jacob Elordi, actorul care îi dă viață, rezumă acest lucru într-un mod emoționant: „Este imposibil pentru Creatură să existe fără tatăl său pentru mine, ceea ce sunt și eu cu tatăl meu. Suntem noi toți cu tații noștri.” Filmul întărește această legătură în mod explicit: singurul cuvânt pe care Creatura îl pronunță inițial este „Victor”, o chemare constantă către creatorul său, dumnezeul său, tatăl său. Monstruozitatea, în această interpretare, nu este o calitate înnăscută a Creaturii, ci consecința directă a abandonului patern. El se naște cu o „inocență, o deschidere și o puritate în ochii săi care era complet dezarmantă”. Respingerea și cruzimea lumii, începând cu cea a propriului creator, sunt cele care îl modelează. Călătoria sa este una de „autodescoperire” în care își dezvoltă o conștiință și, paradoxal, devine „mai uman decât însuși Victor”. Dorința sa fundamentală este simplă: „dragoste și acceptare”. Violența și răzbunarea pe care le dezlănțuie sunt strigătul disperat al unui fiu abandonat. În acest fel, del Toro mută sursa monstruozității de la aspectul fizic la actul moral al abandonului – o temă universală care rezonează mult dincolo de limitele genului horror.
Anatomia protagoniștilor
În centrul acestei furtuni emoționale și filosofice se află două figuri complexe, întruchipate de actori care au fost, în mintea regizorului, singurele opțiuni pentru rolurile lor. Designul, interpretarea și concepția lui Victor Frankenstein și a Creaturii sale dezvăluie straturile cele mai profunde ale viziunii filmului.
Victor Frankenstein (Oscar Isaac): Artistul ca un Dumnezeu rebel
Oscar Isaac, „unica opțiune” a lui Guillermo del Toro pentru rolul principal, dă viață unui Victor Frankenstein care este mult mai mult decât un om de știință nebun. Interpretarea sa îl definește ca pe un „om de știință strălucit și pompos”, un bărbat „egoist” a cărui ambiție de a învinge moartea și de a atinge nemurirea îl consumă. Cu toate acestea, sub această suprafață de aroganță academică, Isaac și del Toro construiesc un personaj care este, în esență, un „artist neînțeles”. Laboratorul său nu este un simplu spațiu de lucru, ci o „scenă” unde își poate etala geniul. Este mânat de o „energie punk rock”, o dorință de „a provoca” establishment-ul care l-a respins.
Acest arhetip al artistului romantic și rebel se hrănește dintr-o traumă personală profundă. Moartea mamei sale, Claire, în timp ce îl năștea pe fratele său William, devine catalizatorul obsesiei sale de „a învinge moartea”. Ambiția sa este constant alimentată de resentimentul față de un tată autoritar, Leopold, și de invidia față de un frate care a fost întotdeauna „băiatul de aur” al familiei. Victor al lui Isaac nu este, prin urmare, un om de știință rece și calculat. Este o figură pasională, egocentrică și mânată de emoție, care își vede creația nu doar ca pe un progres științific, ci ca pe o operă de artă definitivă, o declarație a propriei existențe împotriva unei lumi care nu l-a prețuit niciodată. În rebeliunea sa, el se aliniază spiritului lui Mary Shelley însăși, tânăra care și-a canalizat propria „furie și rebeliune” în crearea unui mit etern.
Creatura (Jacob Elordi): Tragicul „Fiu al Omului”
Pentru a da formă Creaturii sale, Guillermo del Toro s-a îndepărtat de reprezentările tradiționale ale unui mozaic de cadavre în descompunere. În schimb, a căutat o estetică ce era în același timp tulburătoare și frumoasă. Designul vizual se bazează direct pe ilustrațiile influente pe care artistul Bernie Wrightson, un prieten apropiat al regizorului, le-a creat pentru o ediție a romanului din 1983. Del Toro a dorit ca Creatura să arate ca „ceva proaspăt creat”, o formă de viață nouă și pură, „nu ca o reparație la terapie intensivă”. Rezultatul este descris ca un „specimen medical curat care prinde viață, un model alb-lăptos de om cu musculatură definită și perfecțiune anatomică”, marcat doar de suturile care îi trădează originea artificială.
Acest corp devine o pânză pentru o declarație teologică profundă. Aspectul Creaturii este încărcat de „imagistică catolică”, conceput ca întruchiparea „Fiului Omului”, Fiul Omului biblic. Crearea sa este o „crucificare inversă”, iar corpul său poartă stigmatele unui martir: o „coroană de spini simbolică” și o „rană plângândă pe coastă, precum rana de suliță a lui Iisus”. Prezentându-l nu ca pe o greșeală a naturii, ci ca pe o ființă anatomic perfectă și pură, coruptă de lume, del Toro îl înalță de la monstru la figură hristică seculară. Este un „fiu” trimis de un „tată” (Victor) într-o lume care nu îl înțelege și care îl crucifică pentru alteritatea sa. Tragedia sa nu este presupusa urâțenie, ci inocența sa într-o lume decăzută.
Jacob Elordi, care a îndurat până la 10 ore pe zi pe scaunul de machiaj pentru transformarea sa, a fost ales tocmai pentru „inocența și deschiderea” pe care le transmiteau ochii săi. Del Toro a fost explicit în dorința sa ca monstrul să fie „frumos” și să aibă „atractivitate” și „senzualitate”. Această decizie subminează premisa că monstrul este inerent respingător. Făcându-l atrăgător fizic în ciuda suturilor, filmul obligă spectatorul să se confrunte cu originea prejudecăților. Dacă Creatura nu este obiectiv urâtă, atunci oroarea pe care o inspiră trebuie să provină dintr-un loc mai profund: teama de ceea ce este nenatural, de ceea ce este diferit. „Monstruozitatea” încetează să mai fie un concept estetic pentru a deveni o construcție pur socială și psihologică.
Lumea lui Frankenstein – Un ecosistem de personaje
Pentru a amplifica temele centrale ale ambiției, creației și responsabilității, filmul îi înconjoară pe Victor și pe Creatura sa cu un ecosistem bogat de personaje secundare. Fiecare dintre ele funcționează ca o oglindă sau un catalizator pentru conflictele protagoniștilor, țesând o tapiserie narativă densă și complexă.
Rolul lui Elizabeth, interpretată de Mia Goth, este deosebit de crucial și multifaceted. Goth își asumă un rol dublu: nu este doar Elizabeth, logodnica fratelui lui Victor, William, ci și Claire Frankenstein, mama lui Victor, decedată la naștere. În rolul lui Elizabeth, ea se regăsește prinsă într-un „triunghi amoros complicat”, arătând o compasiune pentru Creatură care contrastează cu oroarea celorlalți și o plasează în mijlocul bătăliei brutale dintre creator și creație. Atribuind aceeași actriță pentru a juca rolul mamei pierdute și al interesului amoros, narațiunea stabilește un subtext psihologic puternic. Obsesia lui Victor de „a învinge moartea” se împletește cu o dorință aproape edipiană de a recupera figura maternă, proiectând această dorință asupra logodnicei fratelui său.
Distribuția secundară este populată de actori de calibru care conferă greutate și textură lumii lui Victor. Christoph Waltz interpretează o figură enigmatică, identificată ca Dr. Pretorius în unele surse și ca Harlander în altele, un „negustor de arme” care finanțează experimentele lui Victor, adăugând „o notă de lejeritate procedurilor dulce-amărui”. Charles Dance îl întruchipează pe Leopold Frankenstein, tatăl „impunător și imperios” al lui Victor, a cărui figură strictă și dezaprobatoare este una dintre forțele motrice ale ambiției fiului său. Felix Kammerer, cunoscut pentru rolul său din Nimic nou pe frontul de vest, îl interpretează pe William Frankenstein, fratele mai mic și „băiatul de aur” a cărui existență alimentează complexul de inferioritate al lui Victor. Distribuția este completată de figuri cheie din roman, precum Căpitanul Anderson (interpretat de Lars Mikkelsen), o reimaginare a Căpitanului Walton care îl găsește pe Victor în Arctica, și Omul Orb (David Bradley), care oferă Creaturii un scurt moment de acceptare și bunătate.
Arta creației – Măiestria lumii gotice
Filosofia cinematografică a lui Guillermo del Toro se bazează pe o reverență profundă pentru măiestrie și efecte practice, o credință în tangibilitatea lumii pe care o creează pe ecran. Pentru Frankenstein, această filosofie a fost dusă la expresia sa maximă. „Nu vreau digital, nu vreau IA, nu vreau simulare”, a declarat regizorul cu emfază, lăsând clar că autenticitatea materială era primordială. O mare parte din bugetul filmului a fost investită în construcția de platouri practice și la scară largă, incluzând un laborator complet și o navă în mărime naturală, pentru a oferi fiecărui decor o senzație palpabilă și vie.
Acest angajament față de măiestrie este evident în munca echipei sale de colaboratori obișnuiți, un grup de artiști care îi înțeleg și îi execută viziunea cu o sinergie excepțională. Scenografa Tamara Deverell, care a efectuat călătorii de documentare prin Scoția alături de del Toro, a fost arhitecta acestei lumi gotice. Capodopera ei este laboratorul lui Victor, un platou masiv construit în Toronto, situat în vârful unui vechi turn scoțian de piatră, plin de aparate ornamentate și dominat de o fereastră rotundă gigantică. Directorul de imagine Dan Laustsen, un alt colaborator cheie, a sculptat această lume cu lumină și umbră. Fidel stilului său, el a folosit iluminarea dintr-o singură sursă, adesea provenind de la ferestre, mișcări fluide de cameră cu macarale și o preferință pentru unghiuri largi cu umbre adânci. „Nu ne e frică de întuneric”, afirmă Laustsen, care a dus această maximă la extrem luminând numeroase scene doar cu lumina pâlpâitoare a lumânărilor, creând o atmosferă de o frumusețe picturală și opresivă.
Interdependența dintre departamentele artistice a fost fundamentală pentru a obține o viziune coerentă. Creatoarea de costume Kate Hawley, de exemplu, nu numai că a creat veșminte care reflectau psihologia personajelor prin culori simbolice precum roșu și verde intens, dar a trebuit să lucreze în strânsă colaborare cu Laustsen. O somptuoasă rochie albastră creată pentru Mia Goth a durat patru luni pentru a fi perfecționată, nu din cauza complexității sale, ci pentru că a necesitat o experimentare exhaustivă pentru a se asigura că culoarea se înregistra corect sub iluminarea specifică și atmosferică a directorului de imagine. În mod similar, coloana sonoră a lui Alexandre Desplat nu este o simplă acompaniere, ci o parte integrantă a narațiunii. Considerând acest film drept concluzia unui triptic tematic alături de Forma apei și Pinocchio, de Guillermo del Toro, Desplat a compus o partitură lirică și emoțională care dă voce „dorințelor nerostite” ale personajelor, folosind o orchestră mare și liniile pure ale unei viori solo pentru a exprima emoțiile cele mai profunde ale Creaturii. Această echipă este completată de munca editorului Evan Schiff, care colaborează la ritmul și structura narațiunii vizuale.
Această metodă de producție, în care fiecare element artizanal depinde de celelalte pentru ca întregul să prindă viață, funcționează ca o meta-declarație puternică despre tema centrală a filmului. Realizarea filmului în sine devine o artă frankensteiniană: fiecare departament este o „parte” care trebuie suturată cu precizie de celelalte pentru ca „corpul” filmului să se ridice de pe masa de operație ca un întreg organic și funcțional. Forma și conținutul devin inseparabile.
Ecoul etern al creației și al ruinei
Frankenstein al lui Guillermo del Toro nu se prezintă ca o simplă adaptare în plus a unui text canonic, ci ca o operă profund personală, o distilare a temelor care l-au obsedat pe cineast de-a lungul întregii sale cariere. Încadrând narațiunea gotică a lui Mary Shelley prin lentila unei drame de familie universale, filmul explorează întrebările eterne despre natura umană, responsabilitatea creatorului și căutarea identității într-o lume care ne respinge. Sinopsisul oficial descrie povestea ca pe un „experiment monstruos care duce în cele din urmă la pieirea atât a creatorului, cât și a tragicei sale creații”, o traiectorie inevitabilă a ambiției și a consecințelor.
Printr-o măiestrie vizuală meticuloasă, interpretări încărcate de nuanțe și o reinterpretare curajoasă a personajelor sale centrale, filmul promite să fie o explorare epică și melancolică a singurătății și a conexiunii. Este povestea unui om de știință egoist care învață lecția terifiantă că doar monștrii se joacă de-a Dumnezeu, și cea a unei creații tragice care, în călătoria sa de autodescoperire, poate ajunge să fie mai umană decât omul care i-a dat viață.
Această explorare monumentală a ambiției, singurătății și a dansului complex dintre un tată și fiul său, o poveste care l-a obsedat pe regizorul său timp de o jumătate de secol, se lansează pe Netflix pe 7 noiembrie.
