În marele panteon al cinematografiei moderne, puține figuri ocupă un spațiu atât de singular și creat cu migală precum cel al lui Guillermo del Toro. El este cineast, autor, artist, dar mai presus de toate, este un alchimist. Timp de peste trei decenii, a practicat o formă unică de alchimie cinematografică, luând ceea ce unii ar numi „materie josnică” — monștri, fantome, insecte și accesoriile genului horror — și transmutând-o în aur narativ. Opera sa este o mărturie a unei credințe profunde și de nezdruncinat: că monștrii sunt „sfinții patroni ai imperfecțiunii” și că în interiorul grotescului se ascunde o frumusețe unică și poetică.
Cariera sa nu este o simplă progresie de la filme horror cu buget redus la prestigiul de la Hollywood, ci un proiect constant, de o viață, de a construi un cabinet de curiozități cinematografic. Fiecare film este un nou sertar în acest cabinet, dezvăluind o lume meticulos proiectată, în care basmele se ciocnesc cu mașinăria brutală a istoriei și în care cele mai umane personaje au adesea coarne, branhii sau inimi mecanice. Această viziune de neclintit l-a condus pe cele mai înalte culmi ale industriei, aducându-i premii Oscar pentru Cel mai bun regizor și Cel mai bun film pentru o peliculă despre dragostea unei femei mute pentru un zeu al râului, și un altul pentru Cel mai bun film de animație pentru o fabulă stop-motion despre un băiat de lemn în Italia fascistă. Călătoria lui Guillermo del Toro este povestea unui regizor care nu și-a schimbat viziunea pentru a câștiga aprobarea Hollywood-ului, ci, prin pură măiestrie și convingere, a făcut ca Hollywood-ul să aprecieze în cele din urmă viziunea profundă și monstruoasă pe care a avut-o dintotdeauna.
O copilărie făurită în umbră și credință
Materia primă pentru întreaga viziune artistică a lui del Toro a fost extrasă de pe străzile și din casele orașului său natal, Guadalajara, Mexic, unde s-a născut pe 9 octombrie 1964. Tinerețea sa a fost un creuzet de influențe profunde și adesea contradictorii. A fost crescut într-o gospodărie strictă și profund catolică, condusă de bunica sa, o femeie a cărei credință era atât o sursă de iconografie bogată, cât și de teroare adânc înrădăcinată. Ea nu vedea fascinația sa crescândă pentru fantezie și horror ca pe o scânteie creativă, ci ca pe o boală spirituală. Dezaprobând desenele sale cu monștri și demoni, l-a supus pe tânărul băiat la două exorcizări, aruncându-i cu apă sfințită în încercarea de a-i curăța sufletul. Ca o formă suplimentară de penitență, îi punea capace metalice de sticlă în pantofi pentru a-i însângera picioarele, o manifestare fizică dură a vinovăției religioase.
Acest catolicism morbid era reflectat de realitatea nefiltrată a orașului însuși. Del Toro a vorbit despre expunerea sa timpurie și repetată la moarte, păstrând amintiri vii cu cadavre reale văzute în morgi, în catacombele bisericilor și pe stradă după accidente sau acte de violență. Acest mediu, în care sacrul și profanul se aflau într-un dialog constant și visceral, a modelat o minte care nu vedea o graniță clară între real și fantastic. Pentru a evada, s-a retras într-o lume a imaginației, găsind alinare nu în sfinți, ci în monștri.
Impulsurile sale creative și-au găsit o cale de exprimare pe la vârsta de opt ani, când a început să experimenteze cu camera Super 8 a tatălui său. Primele sale filme, având ca protagoniști jucării din Planeta maimuțelor și alte obiecte de uz casnic, erau deja impregnate de o sensibilitate întunecată și comică. Un scurtmetraj notabil prezenta un „cartof ucigaș în serie” cu ambiții de dominație mondială, care își ucidea familia înainte de a fi strivit fără menajamente de o mașină. Această lucrare timpurie dezvăluie o minte care se juca deja cu clișeele genului horror, găsind o putere stranie și minunată în macabru. Conflictul central al operei ulterioare a lui del Toro — ciocnirea dintre instituțiile rigide și crude și „monstrul” sufletist și neînțeles — a fost o exteriorizare directă a acestei copilării. El nu a respins pur și simplu credința bunicii sale; și-a însușit fastul său gotic, transferând sentimentul de venerație și teroare către o nouă mitologie personală, de propria sa creație.
Ucenicia meșteșugarului: De la Necropia la Cronos
Călătoria lui del Toro de la un tânăr pasionat la un cineast profesionist s-a clădit pe o fundație de măiestrie practică. S-a înscris la programul de studii cinematografice al Universității din Guadalajara, unde chiar și-a publicat prima carte, o biografie a lui Alfred Hitchcock. Cu toate acestea, educația sa cea mai importantă nu a venit dintr-o sală de curs, ci dintr-un atelier. L-a căutat și a studiat efecte speciale și machiaj sub îndrumarea legendarului Dick Smith, artistul din spatele efectelor revoluționare din Exorcistul. Acest mentorat a fost transformator. În următorul deceniu, del Toro s-a dedicat meșteșugului, lucrând ca designer de machiaj pentru efecte speciale și, în cele din urmă, fondându-și propria companie în Guadalajara, Necropia. În această perioadă, și-a perfecționat abilitățile la emisiuni de televiziune mexicane precum Hora Marcada, unde a lucrat alături de viitori colaboratori precum Alfonso Cuarón și Emmanuel Lubezki, și a co-fondat Festivalul Internațional de Film de la Guadalajara.
Această înțelegere profundă și tactilă a modului în care magia filmului este sculptată fizic, modelată și adusă la viață avea să devină piatra de temelie a stilului său regizoral, insuflându-i o preferință de-o viață pentru efectele practice care conferă creațiilor sale fantastice o greutate tangibilă și viscerală. Această ucenicie intensivă a culminat cu debutul său în lungmetraj din 1993, Cronos. Filmul, finanțat cu un buget de aproximativ 2 milioane de dolari, pe care del Toro l-a acoperit parțial el însuși, a fost expresia supremă a călătoriei sale ca meșteșugar. A fost un film finanțat și construit pe expertiza sa în efecte practice. Cronos spune povestea unui anticar în vârstă care descoperă un dispozitiv vechi de 400 de ani, asemănător unei insecte, care acordă viață veșnică în schimbul unei sete vampirice de sânge. Filmul a fost o declarație de intenție pe deplin formată, prezentând lumii motivele distinctive ale lui del Toro: mecanisme complexe de ceasornic, imagini cu insecte, un monstru tragic și simpatic și o profundă sursă de simbolism catolic. A marcat, de asemenea, prima sa colaborare cu actorul Ron Perlman, care a jucat un american brutal în căutarea dispozitivului.
Cronos a fost o senzație în Mexic, câștigând nouă premii Ariel, inclusiv pentru Cel mai bun film și Cel mai bun regizor. A continuat prin a câștiga prestigiosul premiu al Săptămânii Internaționale a Criticii la Festivalul de Film de la Cannes, anunțând apariția unei voci surprinzător de originale în cinematografia mondială. În Statele Unite, însă, lansarea sa a fost limitată și a încasat doar 621.392 de dolari. Filmul a fost un favorit al criticilor, dar o notă de subsol comercială, un model care avea să definească următoarea etapă a carierei sale, pe măsură ce se aventura în inima sistemului de la Hollywood.
Botezul focului: Suferința de la Hollywood cu Invazia
În urma aprecierii internaționale a filmului Cronos, del Toro a făcut prima sa incursiune în sistemul studiourilor americane cu filmul de groază SF din 1997, Invazia (Mimic), produs de casa de producție de gen a Miramax, Dimension Films. Experiența s-a dovedit a fi un botez al focului traumatizant. S-a ciocnit constant cu producătorii Bob și Harvey Weinstein, care, simțea el, s-au amestecat în fiecare aspect al proiectului. Studioul i-a pus la îndoială deciziile privind intriga, distribuția și tonul, cerând un film mai convențional și „mai înfricoșător” decât filmul atmosferic cu creaturi pe care del Toro și-l imagina. Conceptul original, care implica insecte albe, fantomatice, a fost schimbat în gândaci mutanți uriași, o mișcare de care del Toro se temea că îi va transforma filmul în „filmul cu gândaci uriași”.
Luptele creative au devenit atât de intense, încât se pare că Harvey Weinstein a dat buzna pe platoul de filmare din Toronto pentru a-i arăta lui del Toro cum să regizeze și, mai târziu, a încercat să-l concedieze, un efort care a fost zădărnicit doar de intervenția actriței principale, Mira Sorvino. De atunci, del Toro a numit realizarea filmului Invazia una dintre cele mai proaste experiențe din viața sa, o „experiență oribilă, oribilă, oribilă”, pe care a comparat-o nefavorabil cu răpirea propriului său tată. În cele din urmă, a renegat versiunea cinematografică a filmului, deși a reușit mai târziu să lanseze o versiune a regizorului în 2011, care a restaurat o parte din intențiile sale originale. Suferința aproape l-a îndepărtat complet de cinematografia americană.
Cu toate acestea, trauma profesională a filmului Invazia a avut un impact profund și de durată asupra meșteșugului său. Ca răspuns la faptul că munca sa a fost re-editată și controlată de studio, del Toro a dezvoltat în mod conștient un stil regizoral specific ca formă de autoconservare creativă. A început să filmeze într-un mod care sfida re-editarea ușoară, folosind mișcări de cameră fluide, complexe și adesea lungi, care se strecoară prin platou. Acest stil de „cameră plutitoare”, acum celebrat ca o marcă a artei sale, s-a născut ca o tactică de supraviețuire calculată. A fost o modalitate de a face din cameră un personaj narativ de sine stătător, încorporând logica narativă atât de adânc în limbajul vizual al unei scene, încât nu putea fi demontată cu ușurință în sala de montaj. Durerea de la Invazia a făurit chiar instrumentele pe care le-ar folosi pentru a-și construi viitoarele capodopere.
Întoarcerea la origini: Goticul spaniol din Șira spinării diavolului
Zguduit de suferința de la Hollywood, del Toro a făcut o retragere strategică și spiritual necesară. S-a întors la rădăcini, formându-și propria companie de producție, The Tequila Gang, și s-a angajat într-o coproducție în limba spaniolă între Spania și Mexic. Rezultatul a fost Șira spinării diavolului (2001), o poveste gotică cu fantome, profund personală, care a servit atât ca o întinerire creativă, cât și ca un model tematic pentru cea mai celebră lucrare a sa.
Filmul a fost produs de legendarul regizor spaniol Pedro Almodóvar și de fratele său, Agustín, prin compania lor, El Deseo. Acest parteneriat s-a dovedit a fi antidotul perfect pentru veninul de la Invazia. Lui del Toro i s-a acordat libertate creativă completă, un concept atât de absolut, încât, atunci când a cerut dreptul la montajul final, Pedro Almodóvar a fost sincer confuz, răspunzând: „Dar, bineînțeles, decizia este a ta!”. Acest mediu protejat i-a permis lui del Toro să-și redescopere vocea și să vindece rănile de la filmul său anterior. A reînviat un scenariu pe care îl scrisese chiar înainte de Cronos, o poveste plasată în 1939, în ultimul an al Războiului Civil Spaniol. Povestea urmărește un băiat tânăr, Carlos, care este trimis la un orfelinat bântuit, condus de loialiști republicani. Acolo, el se confruntă nu numai cu fantoma unui copil ucis, ci și cu relele pur umane ale lăcomiei și violenței, întruchipate de îngrijitorul Jacinto. Filmul îmbină cu măiestrie groaza supranaturală cu tragedia istorică, stabilind Războiul Civil Spaniol ca fiind ceea ce del Toro avea să numească mai târziu un „motor de fantome” — o traumă istorică atât de profundă, încât spectrele sale continuă să bântuie prezentul.
Șira spinării diavolului a fost aclamat de critici ca o capodoperă a atmosferei și a metaforei. Mai important pentru del Toro, a fost o confirmare a faptului că viziunea sa fără compromisuri putea duce la un cinematograf puternic și plin de rezonanță. El a descris filmul ca fiind „filmul-frate” al Labirintului lui Pan, o contrapartidă mai masculină la energia feminină a operei sale ulterioare. Împlinirea creativă și succesul critic al filmului Șira spinării diavolului au fost sesiunea esențială de terapie artistică care nu numai că i-a redat încrederea, dar a pus și bazele tematice și fundalul istoric pentru capodopera care avea să vină.
Cucerirea publicului larg: Blade II și saga Hellboy
Întărit de triumful creativ al filmului Șira spinării diavolului, del Toro s-a întors la Hollywood, dar de data aceasta în propriile sale condiții. A preluat cârma sequelului cu supereroi-vampiri Blade II (2002), un proiect care i-a permis să-și contopească estetica gotică, monstruoasă, cu acțiunea explozivă a unui blockbuster. Sătul de clișeul romantic al „eroilor victorieni torturați”, era hotărât să facă vampirii din nou înfricoșători. Filmul a fost un succes răsunător, încasând 155 de milioane de dolari și demonstrând că sensibilitățile sale unice puteau prospera în cadrul unei francize de masă. A adus dragostea sa caracteristică pentru efectele practice, designul complex al creaturilor — precum oribilii „Reapers” cu fălcile lor despicate — și iluminatul atmosferic și sumbru în lumea filmelor bazate pe benzi desenate, creând ceea ce mulți fani consideră punctul culminant al trilogiei.
Acest succes i-a oferit influența în industrie pentru a urma un proiect pe care îl prețuise de ani de zile: o adaptare a benzii desenate a lui Mike Mignola, Hellboy. Călătoria pentru a aduce pe ecran demonul cu piele roșie și replici acide a fost una anevoioasă, definită de loialitatea și integritatea artistică de neclintit ale lui del Toro. Timp de șapte ani, s-a luptat cu studiourile care erau ezitante în privința proiectului și, cel mai important, în privința alegerii sale pentru rolul principal. Del Toro a fost ferm convins că un singur actor putea întruchipa sufletul personajului: prietenul și colaboratorul său frecvent, Ron Perlman. A refuzat să facă filmul cu oricine altcineva, fiind dispus să sacrifice întregul proiect mai degrabă decât să facă compromisuri asupra a ceea ce el simțea că este inima acestuia.
Perseverența sa a dat roade. Hellboy a fost lansat în 2004, urmat de sequelul și mai fantastic, Hellboy II: Armata de Aur, în 2008. Filmele sunt o vitrină vibrantă a pasiunilor lui del Toro. Sunt pline de efecte practice și designuri de creaturi uluitoare, multe dintre ele izvorâte direct din caietele sale personale. A abordat aceste filme de franciză nu ca un regizor de comandă, ci cu aceeași pasiune de autor pe care a adus-o în lucrările sale independente. A echilibrat acțiunea explozivă cu un patos autentic și un umor bazat pe personaje, umanizându-și eroul monstruos și familia sa de „ciudați”. Făcând acest lucru, del Toro a estompat eficient linia dintre cinematograful de artă și multiplex, demonstrând că, pentru el, o poveste despre un monstru simpatic era un efort demn, indiferent de buget.
Capodopera: În interiorul Labirintului lui Pan
În 2006, Guillermo del Toro a lansat filmul care avea să-i definească cariera și să-i cimenteze statutul de unul dintre cei mai importanți vizionari cinematografici ai lumii: Labirintul lui Pan (El laberinto del fauno). O coproducție internațională între Spania și Mexic, a fost un proiect atât de personal, încât del Toro și-a investit propriul salariu pentru a-i asigura finalizarea. Filmul este sinteza supremă a fiecărei teme, influențe și obsesii care i-au modelat viața și opera până în acel moment.
Povestea, care a luat naștere din douăzeci de ani de idei, desene și fragmente de intrigă adunate în caietele sale meticulos păstrate, este plasată în 1944, la cinci ani după Războiul Civil Spaniol. Urmărește o tânără pe nume Ofelia, care călătorește cu mama sa însărcinată la un avanpost militar rural, comandat de noul ei tată vitreg sadic, căpitanul falangist Vidal. Evadând din realitatea brutală a noii sale vieți, Ofelia descoperă un labirint antic și un faun misterios, care îi spune că este o prințesă de mult pierdută a lumii subterane. Pentru a-și revendica regatul, ea trebuie să îndeplinească trei sarcini periculoase.
Labirintul lui Pan este o combinație magistrală și sfâșietoare a unui basm sumbru, în stilul fraților Grimm, cu brutalitatea neclintită a Spaniei franchiste de după război. Lumea fantastică nu este o simplă evadare din realitate, ci mai degrabă o lentilă metaforică prin care Ofelia procesează și înfruntă ororile acesteia. Temele alegerii și nesupunerii sunt centrale; Ofelia este testată constant, forțată să aleagă între supunerea oarbă față de figuri autoritare precum Vidal și Faun, și propria sa busolă morală înnăscută. Cea mai terifiantă creație a filmului, Omul Palid, un devorator de copii, este o alegorie directă a relelor instituționale ale fascismului și ale Bisericii Catolice complice.
Filmul a avut premiera la Festivalul de Film de la Cannes din 2006, unde a fost întâmpinat cu ovații în picioare de 22 de minute, una dintre cele mai lungi din istoria festivalului. A devenit un fenomen global, încasând peste 83 de milioane de dolari cu un buget modest de 19 milioane de dolari și obținând aprecieri critice pe scară largă. A primit șase nominalizări la Premiile Oscar, inclusiv pentru Cel mai bun scenariu original pentru del Toro, și a câștigat trei Oscaruri pentru imagine, scenografie și machiaj. Filmul a fost distilarea perfectă a întregii sale identități artistice, opera spre care întreaga sa carieră se îndreptase, și i-a acordat un imens capital creativ pentru toate proiectele sale viitoare.
Autorul ca producător și colaborator
În urma succesului monumental al Labirintului lui Pan, influența lui del Toro s-a extins mult dincolo de propria sa activitate regizorală. Și-a consolidat rolul de forță generatoare centrală în povestirea fantastică modernă, folosindu-și noua influență pentru a susține alți cineaști și a-și extinde universul creativ pe mai multe platforme. Munca sa de producător nu este o activitate secundară, ci o extensie directă a impulsului său de a construi lumi. Incapabil să regizeze personal fiecare poveste care îi captează imaginația — cum ar fi faimosul său proiect de suflet, nerealizat vreodată, o adaptare a cărții La poalele muntelui nebuniei de H.P. Lovecraft — el își folosește influența pentru a aduce la viață lumi aliniate tematic.
A servit ca producător și mentor pentru filme de groază apreciate în limba spaniolă, precum Orfelinatul (2007) al lui J.A. Bayona și Mama (2013) al lui Andy Muschietti, cultivând noi talente în genul pe care îl iubește. A devenit, de asemenea, o forță creativă cheie în animație, servind ca producător executiv pentru filme DreamWorks Animation precum Motanul încălțat (2011), Cinci eroi de legendă (2012) și sequelele Kung Fu Panda. Raza sa de acțiune s-a extins și la francize de succes și la televiziune. După ce a fost atașat să regizeze adaptarea cinematografică a cărții Hobbitul, în cele din urmă s-a retras de la cârma regizorală, dar a rămas co-scenarist creditat pentru toate cele trei filme din trilogia lui Peter Jackson, modelând astfel narațiunea Pământului de Mijloc. S-a aventurat în televiziune ca co-creator și producător executiv al serialului FX The Strain: Viroza (2014-2017), bazat pe trilogia de romane cu vampiri pe care a scris-o împreună cu Chuck Hogan. Pentru Netflix, a creat franciza animată vastă și îndrăgită Povești din Arcadia, care cuprinde serialele Vânătorii de troli, 3 Din Altă Lume și Vrăjitorii. Prin aceste proiecte diverse, del Toro curatoriază eficient un univers comun mai larg de fantezie întunecată, folosindu-și numele și resursele pentru a-și construi „cabinetul de curiozități” la o scară mult mai mare decât ar putea realiza singur.
O poveste de dragoste neconvențională: Forma unui Oscar
În 2017, Guillermo del Toro a regizat filmul care avea să-i aducă cele mai înalte distincții ale industriei: Forma apei. Geneza filmului a stat într-o amintire din copilărie — vizionarea filmului Monstrul din laguna neagră și dorința ca monstrul și protagonista feminină să fi putut reuși în povestea lor de dragoste. Decenii mai târziu, a adus la viață acea dorință într-un basm din perioada Războiului Rece, care a devenit cea mai celebră lucrare a sa.
Amplasată în Baltimore în 1962, povestea se concentrează pe Elisa Esposito, o femeie de serviciu mută la un laborator guvernamental secret. Viața ei de izolare tăcută este transformată când descoperă cel mai sensibil bun al laboratorului: o creatură umanoidă amfibie capturată din fluviul Amazon. Pe măsură ce formează o legătură tăcută cu creatura, descoperă un complot al unui agent guvernamental sadic de a o vivisecționa. Filmul este o odă frumoasă și melancolică adusă celor marginalizați, familia adoptivă a Elisei — vecinul său gay nedeclarat și colega sa de muncă afro-americană — reprezentând vocile marginalizate ale epocii. Realizat cu un buget relativ modest de 19,5 milioane de dolari, Forma apei este o lecție de măiestrie în atmosferă și emoție, folosind decorul său din 1962 ca „un basm pentru vremuri tulburi” pentru a comenta anxietățile sociale și politice ale zilelor noastre.
Filmul a avut premiera la Festivalul de Film de la Veneția, unde a câștigat Leul de Aur, și a continuat să devină un favorit al criticilor și al sezonului de premii. Noaptea sa triumfătoare a venit la cea de-a 90-a ediție a Premiilor Oscar. Filmul, care obținuse un număr record de treisprezece nominalizări, a câștigat patru Oscaruri, inclusiv pentru Cea mai bună scenografie, Cea mai bună coloană sonoră, Cel mai bun regizor pentru del Toro și râvnitul premiu pentru Cel mai bun film. A fost un moment de referință. Timp de decenii, filmele de gen fuseseră în mare parte retrogradate la categorii tehnice de către principalele organisme de premiere. Cu această victorie, Academia a îmbrățișat pe deplin argumentul susținut de-a lungul întregii cariere de del Toro: că o poveste despre un monstru și o poveste de dragoste între o femeie și un „om-pește” putea fi la fel de profundă, artistică și demnă de cea mai înaltă onoare a industriei ca orice dramă tradițională. „Materia josnică” pe care o prețuia atât de mult fusese transformată alchimic în aur cinematografic în ochii establishment-ului.
O viziune în evoluție: Noir, animație și viitor
În anii de după triumful său la Oscar, del Toro a continuat să evolueze ca artist, explorând noi genuri, în timp ce se întorcea la cele mai vechi pasiuni ale sale. În 2021, a lansat Aleea coșmarurilor, o abatere semnificativă, fiind primul său lungmetraj fără elemente supranaturale. O adaptare somptuoasă și sumbră a romanului lui William Lindsay Gresham din 1946, filmul este o explorare pură și întunecată a ambiției și depravării umane, demonstrând măiestria sa în filmul noir clasic. Cu o scenografie uimitoare și o interpretare de forță a lui Bradley Cooper, filmul a obținut patru nominalizări la Premiile Oscar, inclusiv pentru Cel mai bun film, dovedind că stăpânirea sa artistică se extindea dincolo de tărâmul fantasticului.
A urmat cu un proiect care se afla în gestație de peste un deceniu: Pinocchio, de Guillermo del Toro (2022). Întorcându-se la prima sa dragoste, animația stop-motion, a reimaginat povestea clasică nu ca pe o poveste pentru copii, ci ca pe o fabulă întunecată și profundă despre viață, moarte și nesupunere, pe fundalul Italiei fasciste a lui Mussolini. Filmul a fost o minune tehnică și emoțională, celebrat pentru frumusețea sa artizanală și temele sale mature, antifasciste. A dominat sezonul de premii, culminând cu o altă victorie la Oscar pentru del Toro, de data aceasta pentru Cel mai bun film de animație.
Această victorie a consolidat o nouă cale de urmat pentru regizor. El a declarat că, după încă câteva filme live-action, intenționează să dedice restul carierei sale în principal animației, un mediu pe care îl consideră „cea mai pură formă de artă” și cel care oferă cel mai mare control creativ. Pentru un cineast obsedat de construcția meticuloasă a lumilor — o dorință născută din filmele sale din copilărie pe Super 8 și consolidată de trauma interferenței studiourilor — stop-motion reprezintă ultima frontieră. Este singurul mediu în care mâna regizorului se află, la propriu, în fiecare cadru, o expresie directă și fără compromisuri a voinței sale. Această schimbare de direcție închide cercul călătoriei sale, de la băiatul care își anima jucăriile în Guadalajara la maestrul care își animă păpușile pe o scenă globală.
O pasiune de-o viață, reînviată: Frankenstein
În 2025, del Toro urmează să lanseze Frankenstein, un proiect care reprezintă punctul culminant al unei obsesii artistice de-o viață. Pentru del Toro, povestea nu este doar un clasic al genului; este o religie personală. El a vorbit despre cum a văzut monstrul lui Boris Karloff în copilărie și a înțeles pentru prima dată „cum arăta un sfânt sau un mesia”. Această legătură profund personală i-a alimentat dorința de a adapta romanul lui Mary Shelley timp de decenii, așteptând condițiile potrivite pentru a crea o versiune care să poată reconstrui întreaga lume a poveștii la scara corespunzătoare.
Viziunea sa pentru film nu este cea a unui film de groază convențional, ci mai degrabă o „poveste incredibil de emoționantă”. Scopul său este de a recaptura sentimentul citirii romanului pentru prima dată, înainte ca personajele sale să devină caricaturi culturale. Narațiunea se va concentra pe relația complexă dintre creator și creație, explorând teme ale paternității și filiației, profund înrădăcinate în viața proprie a lui del Toro. Filmul îi are în rolurile principale pe Oscar Isaac, în rolul genialului și egoistului om de știință Victor Frankenstein, și pe Jacob Elordi, în rolul creației sale tragice. Distribuția îi include, de asemenea, pe Mia Goth, Christoph Waltz și Charles Dance. Filmul este programat pentru o lansare limitată în cinematografe pe 17 octombrie 2025, înainte de a fi difuzat global pe Netflix pe 7 noiembrie 2025. Del Toro a descris filmul ca fiind sfârșitul unei ere pentru el, o mare sinteză a preocupărilor estetice, ritmice și empatice care i-au definit opera de la Cronos până în prezent.
Sfântul patron al imperfecțiunii
Cariera lui Guillermo del Toro este o mărturie a puterii unei viziuni singulare și profund personale. Călătoria sa de la un băiat obsedat de monștri în Guadalajara la un maestru celebrat al fabulelor moderne a fost definită de un angajament de neclintit față de convingerile sale fundamentale. El a apărat în mod constant pe cei marginalizați, pe „ceilalți” și pe cei imperfecți, găsind în ei o frumusețe sufletească ce reflectă propria noastră umanitate defectuoasă. Antiautoritarismul său ferm, fie că este îndreptat împotriva mașinăriei fascismului sau a dogmei bisericii, străbate ca un curent subteran puternic întreaga sa operă. Este un autor în cel mai pur sens al cuvântului, ale cărui preocupări tematice și limbaj vizual distinctiv sunt instantaneu recognoscibile. Filmele sale sunt întunecate, dar pline de speranță, grotești, dar poetice, și funcționează pe baza înțelegerii profunde că basmele nu sunt o evadare din realitate, ci un instrument vital pentru a naviga prin cele mai întunecate colțuri ale acesteia.
Guillermo del Toro nu doar creează monștri; el îi înțelege, îi iubește și îi vede ca pe sfinții patroni ai unei lumi care are nevoie disperată să-și îmbrățișeze imperfecțiunile. Făcând acest lucru, ne întinde o oglindă superb de stranie și profund empatică, reflectând monstruosul și magicicul din noi toți.
